Escrita(s)

Memória da Raiz das Cores - Pintura de Florentina Resende em Seia

2012-01-21T19:05:00.001-08:00

Vista parcial da exposição

Intitula-se “Memória da Raíz das Cores” a mais recente exposição de pintura de Florentina Resende, patente nas galerias da Casa Municipal da Cultura de Seia até final de fevereiro.

A mostra é composta por 25 pinturas assumidamente abstratas, com marcado gestualismo e síntese cromática. Nessas obras, cabe à cor o grande poder de evocar subtilmente formas e sentidos, trabalhada com marcada consciência poética do espaço. A mancha e a direção da pincelada sugerem vida e movimento, formas naturais e mesmo paisagens inventadas, reconhecíveis graças às sensações que as cores provocam e às memórias que despertam.

A memória da raiz das cores atribui-lhes o seu maior poder: significados viscerais e mágicos com origem indefinida, diluída entre arquétipos, que varia de cultura para cultura e é reinterpretada ao longo dos tempos, mas também parcelas da memória pessoal, moldada por sensações e vivências individuais.

Nesta exposição, predomina a preocupação de inventariar sentidos para cores selecionadas pela artista, fruto das suas pesquisas e viagens exploratórias às origens das cores que compõem a sua paleta diversificada. Pois a matéria da pintura de Florinda Resende é a cor – e é pela cor que exprime a sua capacidade de ver para além das evidências do visível.

Florentina Resende nasceu em Matosinhos em 1950. Com formação artística em Artes Plásticas e História da Arte, na Cooperativa Artística Árvore, no Porto, estagiou em Lyon, França. Participou em mais de duas centenas de exposições individuais e coletivas no país e no estrangeiro, tendo obtido prémios de pintura em Paris, Bruxelas, Viena de Áustria, Malta, Oliveira do Hospital, Vieira do Minho, Moreira da Maia, e uma Menção Honrosa na VII Bienal da Vidigueira. Encontra-se representada na Galerie Thuillier, Paris, e Galleria Oldrado da Ponte, Itália.

Fotografia de Nuno Pinheiro

2012-01-21T18:57:00.000-08:00

Carlos do Carmo, julho de 2009

No foyer do cineteatro da Casa da Cultura, pode ser apreciado até final de janeiro um conjunto de fotografias de Nuno Pinheiro, recordando concertos realizados em Seia nos últimos três anos.

Trata-se de uma fotografia instintiva e afetiva, com interesse artístico e também documental, na medida em que reporta um acontecimento e testemunha um facto, mas que apresenta ao fotógrafo amador um desafio adicional, como o próprio explica no texto de apresentação da exposição, o “desafio de perceber e/ou antecipar o momento” (…) “que não se pode pedir para repetir ou ajustar”. Uma dificuldade também presente na fotografia de desporto, que Nuno Pinheiro pratica com desenvoltura.

Por esta exposição e pelas fotos que vai publicando na Internet, nos seus blogues (blog-do-pinhas e fotosdopinhas), no Olhares, no Flickr ou no Picasa, percebe-se que a fotografia faz já parte da sua vida e que recebe os cuidados necessários para que meras fotografias de ocasião se transformem em objetos artísticos desejáveis, preciosamente sugestivos e com grande interesse sociocultural.

Nuno Monsanto Pinheiro nasceu em Seia em 1970 e reside em Vila Chã. Fotógrafo amador, frequentou um curso de fotografia de Natureza no CISE, em 2010. Participou em exposições coletivas de fotografia na Artis IX e X, em 2010 e 2011.

Biblioteca Digital Mundial na Internet

2012-01-17T02:31:00.000-08:00

Página inicial da BDM

Encontra-se disponível na Internet a BDM - Biblioteca Digital Mundial, reunindo livros, mapas, textos, fotos, gravuras e filmes dos cinco continentes ao longo dos tempos. Cada uma das preciosidades e relíquias culturais oriundas das principais bibliotecas do mundo é apresentada através texto explicativo disponível em sete idiomas, entre os quais o português, que deve ser selecionado pelo utilizador na janela correspondente. As outras línguas são o árabe, chinês, espanhol, francês e inglês, mas encontram-se disponíveis documentos em mais de 50 idiomas das seguintes regiões do mundo: América do Norte; América Latina e Caribe; Europa; Oriente Médio e Norte de África, África, Ásia Central e do Sul, Ásia Oriental, Sudeste da Ásia, Oceania e Pacífico.

A BDM (em inglês, WDL – World Digital Library) é um projeto da UNESCO que envolve outras 32 instituições culturais e oferece uma porta de entrada para as culturas do mundo, destinada sobretudo a investigadores, professores e alunos.

Com um simples clique, podem ser apreciados documentos que pouca gente aspirava ver e conhecer, como o primeiro documento impresso da história (Hyakumanto Darani, um documento japonês do ano 764), os primeiros mapas da América (1562), a Bíblia de Gutemberg (1450-1455), a curiosa “Bíblia do Diabo” (1200-1230), a Declaração da Independência dos Estados Unidos (1776), o original das Fábulas de La Fontaine (1888) ou o “Apocalipse de São João” (1470), um livro impresso com placas de madeira, nas quais o texto e o desenho eram previamente entalhados, contemporâneo da impressão com carateres móveis e percursor da atual banda desenhada. A preciosidade mais antiga da BDM data de 8000 a.C., um conjunto de gravuras rupestres africanas.

No que respeita a Portugal, estão disponíveis mapas e gravuras desde 1500 a 1900. Um dos mapas mostra Lisboa após o terramoto de 1755.

http://www.wdl.org/pt/

PAISAGEM PORTUGUESA NO CAM - FCG

2012-01-09T17:20:00.000-08:00

http://youtu.be/iFajocvtILA

Até 22 de janeiro, o Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian mostra obras de pintura portuguesa de paisagem, pertencentes à coleção do CAM/FCG.

O termo “paisagem” surgiu em França no século XVI, por influência do “landschap” neerlandês, para designar quadros representando uma região (un pays).

A paisagem é uma representação de um espaço natural com ou sem intervenção humana. Essa representação resulta da visão/interpretação do observador/artista, ou seja, do olhar parcial e subjetivo de quem vê, sendo assim produto da interpretação da natureza pelo sujeito – tal como na fórmula de Michael Jakob (Le Paysage, 2008): Paisagem= Sujeito + Natureza.

Com curadoria de Ana Vasconcelos, a exposição reúne obras sobretudo de artistas do século XX, com destaque para a pintura modernista, havendo ainda a sublinhar o significativo número de trabalhos de artistas como António Carneiro (10 pinturas), Domingos Alvarez (11) ou Francis Smith (9), alguns dos quais andavam arredadas das mostras do CAM.

Artistas representados: Adelina Lopes, Alberto Carneiro, Alexandre Conefrey, Amadeo de Souza-Cardoso, Andy Goldsworthy, Ângelo de Sousa, António Carneiro, Armando Ferraz, Carlos Botelho, Dominguez Alvarez, Dordio Gomes, Fernando Calhau, Fernando Lemos, Francis Smith, Gabriela Albergaria, Gérard Castello-Lopes, Hamish Fulton, João Cristino da Silva, João Hogan, João Queiroz, Joaquim Rodrigo, Jorge Barradas, Jorge Martins, Luís Campos, Luís Neuparth, Luís Noronha da Costa, Luís Palma, M. C. Escher, Michael Biberstein, Nuno Cera, Ricardo da Cruz-Filipe, Rui Moreira , Rui Vasconcelos, Thomas Joshua Cooper.

CAM, Lisboa, até 22 Jan 2012 / das 10:00 às 18:00 (terça a domingo).

Despique nacional entre Capitais Europeias

2012-01-08T16:26:00.000-08:00

Braga (Capital Europeia da Juventude 2012) não quer ficar atrás de Guimarães (Capital Europeia da Cultura 2012).

Em Guimarães, estão a causar algum incómodo os dados comparativos do anuário estatístico regional do Instituto Nacional de Estatística, que destacam Braga (sub-região estatística do Cávado) nos principais parâmetros e colocam Guimarães (sub-região estatística do Ave) praticamente a par de Viana do Castelo (sub-região do Minho-Lima).

Estas três cidades são, nos números do Instituto Nacional de Estatística, dos destinos turísticos mais procurados na região norte de Portugal, mas as análises que os dados do INE proporcionam (1), recentram a ancestral rivalidade entre Guimarães e Braga, núcleo histórico e afetivo da nacionalidade (2), ambas Capitais Europeias, da Cultura e da Juventude, respetivamente.

Acontece que não tem faltado a Guimarães a promoção que tem faltado a Braga. Guimarães é Património da Humanidade há 10 anos, o seu castelo foi eleito uma das 7 Maravilhas de Portugal e é Capital Europeia da Cultura 2012. No entanto, Braga vai à frente na classificação provisória do INE no que respeita aos subcapítulos da Cultura. O lema da Capital Europeia da Juventude é discutível no contexto regional (“Todos somos Braga”) mas a organização, a Fundação Bracara Augusta, promete “a melhor capital europeia da juventude de sempre” e ficar na história graças à iniciativa “Estratégia Braga 2024”, cujo objetivo será constituir a rede europeia de Capitais Europeias da Juventude.

Guimarães 2012 apresentou um programa à altura da responsabilidade assumida em maio de 2009, mas Braga 2012 oferece igualmente eventos para todo o ano, distribuídos por três áreas: Y.WORLD; Y.YOU; Y.LIKE. O Y.WORLD tem dimensão europeia, visando promover o diáçogo intercultural e o debate das questões europeias da juventude. Os seus pontos altos serão a realização do Parlamento Europeu Jovem (17 a 25 de março), o Dia Internacional da Juventude (12 de agosto) e a “Aldeia das Religiões” (21 a 28 de outubro).

As Capitais Europeias da Cultura em Portugal têm retratado generosamente os males da cultura nacional: atrasos, improviso, desleixo, jogos de influências e lutas pelo poder. Foi assim em Lisboa (1994) e no Porto (2001). Basta folhear os jornais da época. Em Guimarães, já foi mesmo necessário apelar à ordem e à moralidade. Poderá argumentar-se que é assim em todo o lado mas Portugal é o nosso país e o que alguns fazem, aqueles que elegemos ou que foram nomeados para nos representar, compromete-nos a todos. Para o bem e para o mal.

Certo é que a realização de duas Capitais Europeias no mesmo distrito e no Minho, região de forte personalidade cultural e ímpares riquezas patrimoniais, constitui uma oportunidade única para a região. Esperemos que não seja mais uma oportunidade desperdiçada.

A abertura oficial da Capital Europeia da Juventude está marcada para 14 de janeiro em Braga. A Capital Europeia da Cultura em Guimarães, abre oficialmente a 21 de janeiro.

(1) - Confirmando os dados de dezembro do Instituto de Planeamento e Desenvolvimento de Turismo (IPDT), que foram considerados pouco fiáveis por se basearem no número de visitas aos postos de turismo. As estatísticas do INE são por natureza fiáveis, constituindo a base de todas as análises e decisões nos mais diversos domínios da vida nacional, o barómetro da nação que permite compararmo-nos com bastante certeza com outras nações e situarmo-nos no universo internacional. Servem igualmente de base à celebrada base de dados Pordata, da Fundação Francisco Manuel dos Santos, presidida por António Barreto.

(2) -Juntamente com o Porto, que deu nome ao novo território independente (Porto Cale), um dos três locais no norte do país classificados como Património Mundial pela UNESCO: centro histórico do Porto, em 1996; gravuras de Foz Coa, 1998; centro histórico de Guimarães, 2001.

DOIS ARTISTAS SENENSES NA "SURREALISM 2012", EM READING, EUA

2012-01-03T17:47:00.000-08:00

Capa do catálogo da exposição

Oito artistas portugueses, entre os quais se contam dois artistas senenses, Luiz Morgadinho e Marta Peres, vão representar o surrealismo português numa grande exposição internacional nos EUA. A inaugurar a 6 de janeiro, a “Surrealism 2012” decorre até 19 de fevereiro de 2012 em Reading, uma das principais cidades do Estado da Pensilvânia, próxima de Filadélfia.

A exposição evoca o início do quinto ciclo solar no calendário Maia e é organizada por Joseph Jablonski, elemento ativo do Grupo Surrealista de Chicago. Este grupo foi fundado por Franklin e Penelope Rosemont no início dos anos 60, após uma viagem a Paris, onde contactaram com André Breton (1896-1966), o líder do grupo de intelectuais franceses que deu origem ao movimento surrealista nos anos 20 do século passado. A organização da mostra pretende dar ao público norte-americano da costa nordeste dos EUA, polarizada pela proximidade geográfica de cidades como Nova Iorque, Filadélfia e Baltimore, uma visão abrangente do movimento surrealista internacional desde os anos 60 do século XX à atualidade (1). Para tal, contou com a colaboração do movimento surrealista norte-americano e de grupos surrealistas internacionais, entre os quais a Secção do Cabo Mondego do Grupo Surrealista Português, o grupo holandês CAPA, o francês Mordysabbath (de Thomas Mordant e Ody Sabon), ou o britânico SLAG (Surrealist London Action Group).

Instalada no grandioso e moderno espaço do complexo cultural GoggleWorks, a exposição reúne 248 obras de artistas surrealistas oriundos de 23 países, com uma expressiva representação europeia (Bélgica, Espanha, França, Grã-Bretanha, Holanda, Irlanda, Noruega, Portugal, República Checa, Sérvia, Suécia) e a participação de artistas iraquianos, japoneses e indonésios. As representações mais numerosas são, naturalmente, a norte-americana e a canadiana, assinalando-se a presença de vários países da América Latina: Argentina, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, México e Porto Rico.

Os artistas que representam Portugal, à exceção de Cruzeiro Seixas, têm todos ligações à Secção do Cabo Mondego do Grupo Surrealista Português: João Rasteiro (poeta), Luiz Morgadinho (pintor), Marta Peres (pintora), Miguel de Carvalho (poeta e colagista), Pedro Prata (pintor), Rik Lina (pintor e poeta) e Seixas Peixoto (pintor). Rik Lina é um holandês radicado em Portugal que também colabora com o grupo CAPA (Collective Automatic Painting Amsterdam) de que foi um dos fundadores.

Luiz Morgadinho, “A Marcha dos Homens de Pensamento Empalhado”/“The hay march of the intellectuals”, óleo s/tela - obra exposta em Reading, EUA.

Os artistas participam com trabalhos individuais e obras coletivas de desenho, pintura, colagem, aguarela, fotografia, gravura e escultura, seguindo a estética do surrealismo. As linhas orientadoras da estética surrealista, foram estabelecidas por André Breton em 1924, com a publicação do primeiro manifesto surrealista, e explicitadas em 1929, no segundo manifesto. O Surrealismo é um movimento literário e artístico de origem francesa, hoje difundido a nível mundial. Reconhecendo a internacionalização do movimento, Breton publicou em 1942 uma espécie de terceiro manifesto, mas o surrealismo bretoniano foi progressivamente enriquecido e fortalecido com contributos estéticos das culturas dos diversos países onde se desenvolveu, tendo sobrevivido a diversas cisões e regenerações – o que também aconteceu em Portugal em 1948 (cisão do Grupo Surrealista de Lisboa).

A ligação dos surrealistas portugueses ao grupo surrealista de Chicago teve início nos anos 70, por intermédio de Mário Cesariny e posteriormente através de Cruzeiro Seixas, Raul Perez e Mário Botas. No grande encontro de surrealistas realizado em Chicago em 1976, denominado "Marvelous Freedom/Vigilance of Desire", a secção portuguesa foi fortemente representada e aplaudida pela elevada qualidade poética dos seus trabalhos. Em 2005, por intermédio de Mário Cesariny, Miguel de Carvalho estabelece contactos com o Grupo de Chicago. Três anos depois, convida os surrealistas de Chicago a participarem numa das maiores exposições internacionais de surrealismo realizadas nos últimos anos na Europa, "O Reverso do Olhar", que teve lugar em Coimbra em 2008, depois apresentada na Amadora (“A Voz dos Espelhos”), ainda em 2008, e em Lagoa (“Iluminações Descontínuas”) já em 2009. A participação portuguesa na mostra de Reading vem, sobretudo, na continuidade dessas exposições (2) e da presença dos surrealistas portugueses na mostra internacional “El Umbral Secreto, 2009-2010”, em Santiago do Chile – graças à ligação de Rik Lina e de Miguel Carvalho ao grupo chileno do movimento PHASES.

Luiz Morgadinho nasceu em Coimbra em 1964. Reside em Santa Comba de Seia. Pintor autodidata, de inspiração surrealista, regista no seu currículo diversas exposições coletivas e individuais em Portugal e no estrangeiro. Em 2010, recebeu o Prémio Município de Oliveira do Hospital, na AGIRARTE 13 e Menções Honrosas em Lisboa (1996), Torres Novas (1997) e Nisa (2000). Foi homenageado em 2009 na ARTIS VIII – Festa das Artes e Ideias de Seia. Participa atualmente (até 29 de fevereiro) numa exposição de surrealistas em Lisboa, na Leya/Barata.

Marta Peres nasceu em Coimbra em 1989. Reside em Seia. Iniciou a sua atividade artística em 2007, na área do surrealismo, tendo participado em algumas exposições coletivas, com destaque para o ARTIS – X Festival de Artes Plásticas de Seia. Realizou a primeira exposição individual em 2010. É o membro mais recente da Secção do Cabo Mondego do Grupo Surrealista Português.

Entrada do GoggleWorks, em Reading

(1) - Segundo o texto de apresentação da exposição no site oficial.

(2) - "Reverso do Olhar" (no Museu da Cidade de Coimbra, Edifício Chiado, e na Galeria Pinho Diniz, Casa Municipal da Cultura de Coimbra, 03 de maio a 28 de junho 2008), "A Voz dos Espelhos" (Galeria Artur Bual, Amadora, de 6 de setembro a 19 de outubro de 2008) e "Iluminações Descontínuas" (Convento de S. José, Lagoa, 17 de janeiro a 28 de fevereiro de 2009).

Volta, Bordallo, e traz os manguitos!

2012-01-02T15:57:00.000-08:00

Nota do auctor: texto escripto de accordo com as bases orthographicas da lingua portugueza anteriores á reforma de 1911. O vocabulario actual foi mantido, para maior clareza da escripta.

Accordos orthographicos ha muitos! Volta, Bordallo, e traz os manguitos!

Desde o dia de hoje, 2 de Janeiro de 2012, os escriptos officiaes da Republica Portugueza passam a ser redigidos segundo o novo accordo orthographico, assignado em Dezembro de 1990 pelos principaes paizes de lingua official portugueza. Apesar desse facto, o accordo continua com caracter facultativo, para allem de permitir uma enormidade de duplas graphias. Ou seja, ha 20 annos que discutimos o accordo, adiando successivamente a sua entrada em vigor, para continuarmos na pratica a escrever como nos apetece. Muitos escriptores e jornalistas recusam adoptal-o e praticam o portuguez que aprenderam na eschola (entre outras cousas que entretanto mudaram ou foram mudadas), allegando que o novo accordo é um attentado á lingua lusa, ao portuguez de Portugal, ás proprias raizes culturaes nacionaes. Ora eu reprovo todo e qualquer attentado, não me imagino a attentar contra seja o que for, muito menos contra os superiores interesses da lingua nacional, e por este motivo decidi escrever este texto como se escrevia antes da reforma orthographica de 1911, a primeira a ter força de lei em Portugal. Essa reforma visou normalizar e simplificar a escripta do portuguez a ensinar aos alumnos das escholas republicanas, mas a escripta anterior permite perceber como a “pureza e tradição orthographicas” da lingua portugueza foi successivamente simplificada e normalizada ao longo do seculo XX .

Existe um accordo entre paizes lusophonos para acertos de orthographia e, em Portugal, como no Brazil, uma lei de 2008 colocou esse accordo em vigor. No entanto, a lei em Portugal é muitas vezes lettra morta ou mal entendida e por isso os auctores das leis (e do Direito, em geral) recorrem frequentemente ao latim para titularem a sua auctoridade ou para se explicarem, mesmo que o latim seja uma lingua extincta, morta. Nem é por acaso que, á revelia de todas as linguas vivas e accordos orthographicos, os mais modernos tribunaes portuguezes (como o de Gouveia, inaugurado em 2011), continuem a denominar-se “Domus Justitiae”.

Ao contrario do latim da justiça, o novo accordo orthographico não interfere por ahi além na escripta do portuguez de Portugal, muito menos no quotidiano prático dos portuguezes. Ha quem o acuse, em Portugal, de beneficiar interesses geopolíticos e economicos do Brazil, onde o acordo também está longe de ser consensial por acusações identicas. Tal como n’outras reformas (em especial na de 1911, que contou com a opposição de Teixeira de Pascoaes e Fernando Pessoa, por exemplo), doutos escriptores e estudiosos da lingua e cultura nacionaes na actualidade (como Eduardo Lourenço, Maria Alzira Seixo, Mário Cláudio ou Vasco Graça Moura), não descortinam nelle qualquer virtude, notando que os mais doutos e merecedores estudiosos e escriptores não foram previamente chamados a opinar sobre elle. Assim, acusam-o de ser “um chorrilho de asneiras” (V.G.M.), de más intenções e mesmo de illegalidade - o que ninguem teve coragem de dizer, por motivos obvios, em relação à simplificação da escrita imposta pelo Decreto Lei n. 292 de 1938 ou por ocasião do inefficaz accordo orthographico de 1945. Contra os defensores da preservação da origem etymologica das palavras em desfavor da orthographia phonetica, venceu a escripta com base na pronuncia das palavras, no novo accordo tal como na reforma de 1911 – quando desapareceram da escripta em Portugal os echos etymologicos gregos: ph, th, ch (k) e a lettra y, mantendo-se estes na escripta do portuguez no Brazil por falta de um accordo orthographico.

Uma lingua que se preze evolui naturalmente, na cathedra, no pulpito, na feira e na taverna, mas será sempre necessario affeiçoar a norma e negociar accordos para universalizar o seu uso. A opposição ao novo accordo orthographico e mesmo a adherencia contrariada de alguns, birras que se resolverão no tempo, leva a que muitos escrevam como melhor lhes apetece, em portuguez antigo (tal como estou a fazer, ou peor, mas com igual afflicção), ao abrigo do novo accordo ou n’uma escripta mista, meia accordada, descortinando novas graphias e lumieiras estheticas, escriptas criativas. E aquelles que querem e podem, abusando da sua auctoridade intellectual ou editorial, acrescentam aos escriptos alheios as lettras e accentuação que o accordo manda retirar: censuram sem censurar, prohibem sem prohibir, pois a propria lei obriga sem obrigar.

Volta, Bordallo, e traz os manguitos!

Fontes:

Diccionario Encyclopedico da Lingua Portugueza, de Simões da Fonseca, Livraria Garnier, Paris e Rio de Janeiro.

2012 - Ano Internacional das Cooperativas

2012-01-02T15:51:00.000-08:00

2012 será o Ano Internacional das Cooperativas. A decisão da Organização das Nações Unidas (ONU) destaca o “papel fundamental das Cooperativas na promoção do desenvolvimento socioeconómico de cerca de 800 milhões de pessoas em mais de cem países e estima-se que seja responsável por mais de 100 milhões de postos de trabalho em todo o mundo”. Ver a resolução da ONU.

De acordo com o conceito definido pela Aliança Internacional de Cooperativas (ACI), a Cooperativa é “uma associação autónoma, de pessoas unidas voluntariamente para alcançar as aspirações de suas necessidades econômicas, sociais e culturais comuns, através de uma ação democraticamente controlada” em que os objetivos coletivos se sobrepõem aos interesses individuais.

Enquanto empresas sociais económicas e de ajuda mútua, as cooperativas desempenham por todo o mundo um importante papel no apoio ao desenvolvimento sustentável, à erradicação e prevenção da pobreza, à consolidação dos meios de subsistência em áreas urbanas e rurais e ao alcance dos Objetivos do Milénio”.

A FAO, UNESCO, ACI, WFP (World Food Programme) e UNCDF (United Nations Capital Developmente Fund) serão os principais parceiros da ONU nas atividades do Ano Internacional das Cooperativas – 2012.

GUIMARÃES E MARIBOR 2012

2012-01-02T15:39:00.000-08:00

Em 2012, Guimarães será uma das duas capitais europeias da Cultura, juntamente com a cidade histórica de Maribor, a segunda mais populosa da Eslovénia. A abertura oficial realiza-se a 21 de Janeiro de 2012.

O programa da Maribor 2012 organiza-se em torno de dois eixos, horizontal e vertical. Horizontalmente, apresenta um conjunto de iniciativas abrangendo as mais diversas áreas artísticas individuais (literatura, música clássica, música contemporânea, artes performativas, criatividade infantil e juvenil, cinema e artes visuais), organizadas por consultores e produtores criativos para cada área. As secções Terminal 12, Keys to the City, Urban Furrows e LifeTouch, integram-se verticalmente nas áreas artísticas para originar programas próprios, de acordo com os seus conteúdos e expectativas específicas. A arte culinária não foi esquecida, sob o lema “Maribor 2012 – Capital de sabores”. O site oficial da Maribor 2012 destaca inclusive a existência na cidade da videira mais antiga do mundo.

Guimarães 2012 apresenta-se como “um projeto catalisador do desenvolvimento da cidade e da região envolvente, que tem a cultura, na sua mais ampla aceção, como motor dessa transformação”, “um grande encontro de criadores e criações — música, cinema, fotografia, artes plásticas, arquitetura, literatura, pensamento, teatro, dança, artes de rua”, cruzando “produtos artísticos imaginados e gerados pelos seus residentes com os que de toda a Europa afluirão à cidade”.

Partindo dos valores “Cidade”, “Cidadania e Participação” e “Dimensão Europeia”, o projeto Guimarães 2012 Capital Europeia da Cultura visa ”desenvolver o capital humano”, “criar uma economia criativa” e “gerar uma nova geografia dos sentidos”.

O programa abarca 8 áreas, cada qual com o seu responsável: Comunidade (Suzana Ralha); Música (Rui Massena); Artes Performativas (Marco Barbosa); Arte & Arquitetura (Gabriela Vaz Pinheiro); Cinema e Audiovisual (João Lopes); Espaço Público (José Bastos); Pensamento (João Serra); e Tempos Cruzados (João Meira), um programa associativo.

Tanto Guimarães 2012 como Maribor 2012 integram projetos a serem realizados durante todo o ano, pontualmente ou em continuidade. Na capital da cultura portuguesa, o espaço de acolhimento e informação para os visitantes situa-se no nº 60 de uma das ruas mais antigas da cidade, a Rua de Camões.

TUDO ISTO É FADO

2011-12-27T18:58:00.000-08:00

(Artigo publicado no jornal "Vivências...", nº4, dezembro 2011)

José Malhoa, “O Fado”, 1910, óleo s/tela, 152,5 x 185,5 cm, Museu da Cidade, Lisboa

A recente distinção da UNESCO, declarando a importância cultural do fado para a Humanidade (1) abre boas perspetivas de projeção internacional do espírito criativo português e das artes nacionais.

Para além dos poetas populares (com destaque para João Linhares Barbosa, o “Príncipe dos Poetas” do fado), os fadistas cantam com grande gosto e exemplar dignidade alguns dos nossos melhores poetas cultivados (António Botto, Sidónio Muralha, Pedro Homem de Mello, David Mourão-Ferreira, Ary dos Santos, Vasco Graça Moura,…) mas o fado enquanto acendalha do espírito relaciona-se bem com outras artes eruditas: o cinema, as artes plásticas e até a dança. Esse fado que é um sinónimo de destino, muitas vezes malfadado, sofrido, cruel, e por isso canção amarga e magoada.

Nem por acaso, a divulgação nacional do fado começou na década de 1930 através do cinema sonoro, popularizando na tela fadistas como Dina Tereza, Amália Rodrigues ou Hermínia Silva. Dina Tereza, hoje pouco recordada, interpretou a mítica fundadora do fado, Maria Severa, no primeiro filme sonoro produzido em Portugal e realizado por um português (José Leitão de Barros, em 1930). À distância de uma vida, em 2006, o cineasta espanhol Carlos Saura homenageou o fado como canção ibérica, relacionando-o com os ritmos hispânicos da música e da dança no documentário musical “Fado”. E aproveitando a embalagem internacional da UNESCO, o realizador João Botelho promete para 2012 um musical sobre o fado, protagonizado por fadistas e rodado em Lisboa.

Nas artes plásticas, o fado inspirou os maiores artistas portugueses dos séculos XIX e XX, como ficou demonstrado na importante exposição “Ecos do Fado na Arte Portuguesa Séculos XIX-XXI” (2), que decorreu em Lisboa entre julho e setembro de 2011. Ao longo desses séculos, a arte nacional contribuiu pouco para as artes internacionais mas foi absorvendo e consagrando os mais diversos géneros e modalidades artísticas, sendo possível encontrar uma ligação transversal relacionável com o fado, ou com as representações do fado, o que justificou plenamente a apresentação conjunta de obras de artistas tão diversos como Roque Gameiro, Columbano, José Malhoa, Almada Negreiros, Amadeo Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Domingos Alvarez, Bernardo Marques, Stuart Carvalhais, João Abel Manta, Carlos Botelho, Júlio Pomar, Leonel Moura, Graça Morais, Paula Rego, João Vieira, Joana Vasconcelos, João Pedro Vale ou Miguel Palma.

Uma das curiosidades e méritos da exposição “Ecos do Fado” foi mostrar lado a lado as duas versões do mais famoso quadro de José Malhoa, “O Fado”, o que acontece pela segunda vez no século e em anos consecutivos (3), assim como dois estudos para essa obra: o Amâncio (1908) e a Adelaide (sem data). “O Fado” de 1909, mais pequeno que a segunda versão, foi apresentado ao público em 1962 através de uma reprodução no Diário de Lisboa, e pertence atualmente a um colecionador particular português. Supõe-se que terá sido um estudo para o quadro maior, de 1910, patente no Museu do Fado.

Ambos os quadros apresentam a mesma composição e retratam o guitarrista Amâncio e Adelaide “da facada” – assim conhecida devido à cicatriz na face que o pintor ocultou. O cenário evoca o interior de uma “alfurja” (antro, alcouce), onde se recompunham “das desditas ouvindo o fado que diz da sua má sorte e em que todas as trovas são de perdão” (4). A realização da primeira obra, pintada com esses modelos em pose, foi condicionada pelas frequentes passagens de Amâncio pela prisão e pelos seus reparos ciumentos ao modo como Malhoa pintava Adelaide.

Apesar do estatuto cultural que duramente conquistou ao longo do século XX até à recente consagração internacional, o fado não nega as suas origens humildes e o quadro de José Malhoa continua a ser a representação mais sensível do sentimento fadista e o melhor retrato do seu berço trágico.

Sérgio Reis

Notas:

(1) - A 28 de novembro de 2011, em Bali, o VI Comité Intergovernamental da UNESCO (Organização das Nações Unidas para a Educação, Ciência e Cultura) declarou o fado como Património Cultural Imaterial da Humanidade. A candidatura propunha uma rede de cooperação institucional em estreita ligação com a sociedade civil, uma vertente de educação e formação, um programa editorial (livros e discos), a dinamização e revitalização de espaços tradicionais de fado e a promoção no plano nacional e internacional do universo e da cultura do fado.

(2) - Promovida pela Câmara Municipal de Lisboa através da EGEAC/Museu do Fado no âmbito da candidatura do fado a Património Cultural Imaterial da Humanidade.

(3) - A primeira vez foi em 2010, na exposição “O Fado de 1910”, realizada na SNBA em Lisboa a propósito das comemorações do centenário da República.

(4) - António Montês, “Malhoa Intimo”, Lisboa, 1950.

A "Illustração Portugueza" – 15 de Abril 1912

José Malhoa, “Adelaide”, estudo para “O Fado”. São conhecidos cerca de dezena e meia de estudos de Malhoa para essa obra.

“Adelaide”, óleo s/tela, 50,5X65,5 cm

Estudo para “O Fado”, óleo s/tela, 1908

José Malhoa, primeira versão de “O Fado”, 1909, col. Vasco Pereira Coutinho.

O trabalho do artista foi condicionado pela vida atribulada de Amâncio e pelas suas exigências púdicas em relação à maneira como pintava Adelaide. Malhoa também deu atenção às opiniões de terceiros quanto ao andamento da obra, desde populares, que passavam pelo seu atelier, ao próprio rei D. Manuel, que também terá sugerido alterações à pintura. Na 2ª versão, de 1910, Malhoa deu mais atenção aos pormenores e melhorou sobretudo os rostos das personagens.

Amâncio, desenho a carvão s/papel, 1910 – Museu do Chiado, Lisboa

Estudo, desenho a carvão s/papel, 1910 – Museu José Malhoa, Caldas da Rainha

Ema de Oliveira e Raul de Carvalho, reconstituindo a cena de “O Fado” em “Fado”, realizado por Maurice Mariaud em 1923.

Amália Rodrigues e Jaime Santos, reconstituindo a cena de “O Fado” em “Fado Malhoa”, realizado por Augusto Fraga em 1947.

João Vieira, “O mais português dos quadros a óleo”, 2005, impressão fotográfica, 300X365 cm, Museu da Cidade, Lisboa

RENATO PAZ - Drosophila ContraSena

2011-12-23T09:52:00.001-08:00

A fotografia e arte digital de Renato Paz possuem, a meu ver, inegáveis méritos. A fotografia exigente, a composição cuidada, a feliz manipulação da cor, o sentido crítico e humorístico, combinam-se para originar imagens surpreendentes, intensas, sugestivas. Os seus trabalhos são principalmente exercícios de desconstrução e reconstrução da paisagem, em cujos espaços, volumes e superfícies intervém virtualmente para suscitar leituras inusitadas. Poderá dizer-se que a arte digital facilita a interação da fotografia, desenho, pintura e colagem, mas, por isso mesmo, exige muito mais que habilidade técnica e destreza com as ferramentas tecnológicas.

Renato Paz tem coligido alguns dos seus trabalhos em álbuns digitais, 8 até à data, o último dos quais reúne as obras expostas em outubro e novembro de 2009 na Casa Muncipal da Cultura de Seia (foyer do cineteatro) com o título genérico “Cidade – Drosophila ContraSena”.

Este álbum acrescenta às imagens as palavras de João Saraiva e até algumas frases minhas, em jeito de prefácio. Sobre a ligação imagem/texto, repare-se por exemplo como é abordado o tema da justiça/edifício do tribunal de Seia:

"7 - A imagem é para ti tudo e ainda assim és cega"

(Renato Paz/João Saraiva)

Fotografia de José Santos: do Presépio ao Calvário

2011-12-17T15:28:00.000-08:00

José Santos, apresentando as suas obras.

Foi hoje inaugurada a exposição de fotografia de José Santos, intitulada "Do Presépio ao Calvário", na galeria de exposições temporárias do Posto de Turismo de Seia. As fotos expostas fazem parte da série "Senhor e Deus".

José Santos é natural de Vila Verde, Seia, e dedica-se à fotografia nos tempos livres. A sua primeira exposição individual teve lugar no Museu Grão Vasco, Viseu, no início de 2009, tendo depois exposto no Museu de Lamego, Biblioteca Municipal de Cantanhede, Espaço João Abel Manta em Gouveia, Museu Diocesano de Lamego, Museu de Resende, entre outros. A sua próxima exposição individual encontra-se marcada para março, na Casa Municipal da Cultura de Seia.

A exposição "Do Presépio ao Calvário" integra-se no programa de encerramento das comemorações dos 440 anos da Santa Casa da Misericórdia de Seia (1571-2011) e decorre até 31 de dezembro 2011. De referir, a propósito dos 440 anos da SCMS, a data da fundação é referida por Quelhas Bigotte na sua Monografia de Seia, embora não exista qualquer documento que a sustente. Sabe-se, porém, que a fundação é anterior a 1581, como é explicado no próprio site da Misericórdia de Seia.

O Presidente da Câmara de Seia, usando da palavra, ladeado pelo Provedor da SCMS, Fernando Béco, e pelo Presidente da Assembleia Geral, Alcides Henriques.

José Santos com Sérgio Amaral, ceramista de Mangualde conhecido pelos seus "matarrachos".

Graça Morais distinguida com Prémio de Artes Casino da Póvoa

2011-12-17T15:19:00.000-08:00

Graça Morais (foto de Egídio Santos)

Graça Morais será hoje homenageada na Póvoa de Varzim com um jantar e a entrega do Prémio de Artes Casino da Póvoa 2011, atribuído em outubro. O quadro intitula-se “Série 2011: A Caminhada do Medo, 2011”

O Prémio de Artes do Casino da Póvoa, no valor de 30 mil euros, garante igualmente a aquisição da obra premiada e a publicação de uma monografia sobre a artista, intitulada “Graça Morais – Ordem e desordem do mundo”, ilustrado com as principais obras de Graça Morais, com textos de Laura Castro (1), Agustina Bessa-Luís, Ana Marques Gastão, António Mega Ferreira, Fernando Azevedo, Fernando Pernes, Frederico Morais, João Fernandes, Manuel António Pina, Manuel Hermínio Monteiro, Nuno Júdice, Rui-Mário Gonçalves, Sílvia Chico e Vasco Graça Moura. O quadro premiado e a monografia serão apresentados durante o jantar, abrilhantado com a atuação do guitarrista Pedro Caldeira Cabral, marido da artista.

Atualmente na 6º edição, o Prémio de Artes Casino da Póvoa já distinguiu Júlio Resende, Alberto Carneiro, Nikias Skapinakis, Armando Alves e José Rodrigues. O Casino da Póvoa apoia diversas iniciativas ligadas às artes e à literatura, com destaque para o encontro de escritores de expressão ibérica “Correntes d’Escrita”, e entidades como a Cooperativa Árvore ou o Museu Abel Salazar.

(1) Ler o texto de Laura Castro, A Caminhada do Medo (do catálogo da exposição 2011: A Caminhada do Medo e incluído no livro Graça Morais. Ordem e Desordem do Mundo) no blogue de Joana Morais.

Novo Centro de Arte Moderna em Matosinhos

2011-12-15T15:49:00.000-08:00

Apesar da angústia que se vive atualmente na cultura nacional, o dia 14 de dezembro de 2011 marcou o início oficial de Guimarães 2012 – Capital Europeia da Cultura, com a apresentação do programa e da estreia da Fundação Orquestra Estúdio, e inaugurou o Centro de Arte Moderna Gerardo Rueda, em Matosinhos.

A Capital Europeia da Cultura em 2012 (na verdade, são duas, Guimarães e Maribor, na Eslovénia) ainda não chegou às televisões e o Centro de Arte Moderna matosinhense passou por lá como cenário de vaias e insultos ao primeiro-ministro, Pedro Passos Coelho, testemunhados pelo convidado especial para a inauguração, Jose Maria Aznar, antigo chefe do governo espanhol.

Mas Guimarães 2012 e o novo CAM são duas realizações fantásticas (no sentido moderno do termo) neste contexto de crise cada vez mais psicológica. Após uma infância turbulenta, o projeto da Capital Europeia da Cultura atingiu a maioridade e vai concretizar-se com 70% da verba inicialmente prometida. O CAM de Matosinhos irá funcionar com um custo anual na ordem dos 150 mil euros, suportado por 6 patrocinadores encabeçados pela Câmara Municipal de Matosinhos e pela Fundación Gerardo Rueda, presidida por José Luiz Rueda Jiménez. No fundo, trata-se de um protocolo ibérico de cooperação cultural, o que também é salutar e de aplaudir, mesmo que seja a prazo (3 anos).

Gerardo Rueda Salaberry (Madrid, 1926-1996) foi um pintor e escultor espanhol de referência na arte abstrata ibérica do século XX, fundador (com Fernando Zóbel e Gustavo Torner) do Museu de Arte Abstrata Espanhol de Cuenca, em 1966. Muito celebrado em Espanha, foi convidado a expor nos mais conhecidos museus espanhóis, que organizaram grandiosas retrospetivas após a sua morte, em 25 de maio de 1996. No verão de 2011, a Galeria Municipal de Matosinhos acolheu a exposição “Diálogos com a Coleção Gerardo Rueda”. A propósito, é de referir que o português não aparece entre as oito línguas faladas pelo site da Fundación Gerardo Rueda.

O Centro de Arte Moderna Gerardo Rueda foi construído no espaço de um antigo parque de estacionamento e integra-se no complexo dos Paços do Concelho de Matosinhos. A exposição permanente inclui artistas espanhóis como Pablo Serrano, Manuel Millares, Joan Miró, Chillida, para além de Gerardo Rueda, e portugueses como Alberto Carneiro, Noronha da Costa, Gerardo Burmester, José de Guimarães e Nikias Skapinakis, entre outros.

Nem de propósito (mais uma vez, aliás), é de salientar os bons ofícios da Fundación Gerardo Rueda em Portugal, pois decorre na Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, em Lisboa, até 22 de janeiro de 2012, a exposição "Vieira da Silva - Gerardo Rueda: um diálogo convergente". Bernardo Pinto de Almeida sublinha no seu texto a comprovada influência de Vieira da Silva na pintura abstrata brasileira e no desenvolvimento do neo-concretismo, sendo igualmente visível a sua influência em muitos outros artistas europeus. A exposição destaca, nas palavras de BPA, um "diálogo secreto" entre Vieira e Rueda mas, como dizia o outro, "não havia necessidade". A diferença de idades e o contexto artístico em que cada um viveu explica mal a necessidade (ou será oportunidade) de estabelecer tais correspondências pois será mais a obra de Vieira da Silva a explicar a de Rueda e não o contrário.

LER notícia do Porto Canal

Fotografia de José Santos no Posto de Turismo de Seia

2011-12-13T15:37:00.000-08:00

Inaugura no próximo sábado, dia 17, na sala de exposições temporárias do Posto de Turismo de Seia, uma exposição de fotografia de José Santos.

A exposição intitula-se "Do Presépio ao Calvário" e integra-se nas comemorações dos 440 anos da Santa Casa da Misericórdia de Seia.

Gonçalo M. Tavares

2011-12-12T16:16:00.000-08:00

No passado domingo, 11 de dezembro, Gonçalo M. (de Manuel) Tavares foi o convidado de Marcelo Rebelo de Sousa no tradicional espaço de comentário, no jornal das 8 da TVI, a pretexto dos seus novos livros, "Canções Mexicanas" e "Short Movies".

Creio que deixou de haver desculpa para o desconhecimento deste jovem e promissor escritor, para o qual o próprio José Saramago vaticinou, em 2005, um Prémio Nobel da Literatura nos anos vindouros. Um escritor atento, perspicaz, que reflete inteligentemente sobre o mundo atual dispensando as amarras do sentimentalismo e à revelia das tradições literárias. Em certa medida, a sua escrita é experimental, sendo também um dos escritores mais produtivos dos últimos anos (mais de trinta livros em apenas uma década), eclético (romance, poesia, conto, epopeia), muito editado (livros traduzidos e publicados em 44 países) e premiado (mais de uma dezena de importantes prémios literários em Portugal e no estrangeiro).

Com um raciocínio perspicaz e discurso inteligente, Gonçalo M. Tavares disparou algumas frases incomparáveis. Preocupado com a velocidade a que vivemos, o escritor referiu que «abrir um livro é muito semelhante a entrar numa igreja”, “O livro é uma máquina de lentidão”, “Reparar é estar muito tempo parado na mesma coisa. (...). Só reparamos as coisas se repararmos nelas”. Citou depois uma frase de Hans Christian Andersen para sublinhar que vivemos num “mundo quantitativo”, onde “pedimos espírito e respondem-nos com a tabuada” (…) “cada vez mais nos respondem com números”.

“Canções Mexicanas” (Relógio d’Água), resulta da grande paixão do autor pela cultura mexicana e leva-nos até à Cidade do México para nos mostrar, através de uma série de fragmentos narrativos, como a realidade urbana constrói e semeia, na vida das pessoas, rotinas sem sentido, muitas vezes cruéis. Nessa mega metrópole com 20 milhões de habitantes, os desfavorecidos e rejeitados da sociedade não conhecem a esperança nem compreendem a importância que os europeus atribuem à procura da felicidade.

“Short Movies” (Caminho), é uma coletânea de cenas absurdas do quotidiano, cerca de 70 micronarrativas (algumas das quais já publicadas em jornais e revistas) em que se destaca a sua vocação fílmica e o protagonismo da perspetiva da câmara de filmar. Ler para ver. Um pouco na linha de livros como “Centúria – Cem Pequenos Grandes Romances”, de Giorgio Manganelli, “Short Movies” mostra como o olhar se constrói com letras e que as frases são imagens desenhadas pelo escritor na imaginação do leitor.

Gonçalo M. Tavares no Jornal das 8 da TVI.

Entrevista de João Paulo Sacadura (Livraria Ideal, TVI24): Parte 1; Parte 2; Parte 3.

Pintura de Carlos Carreiro 1967/2010

2011-12-10T16:59:00.000-08:00

Vista parcial da exposição (foto: Galeria Municipal / CMM)

Encontra-se patente na Galeria Municipal de Matosinhos, até 29 de janeiro de 2012, a exposição “Carlos Carreiro na Coleção de Carlos Carreiro 1967/2010”.

A mostra reúne alguns trabalhos representativos dos seus 43 anos de pintura, pertencentes à sua coleção de autor.

Nascido em 1946, em Ponta Delgada – Açores, Carlos Carreiro é licenciado em Pintura pela ESBAP (1972), após uma breve passagem de dois anos pela Faculdade de Direito de Lisboa.

Em 1976, foi um dos fundadores do Grupo Puzzle - com João Dixo, Albuquerque Mendes, Graça Morais, Pedro Rocha, Jaime Silva, Dário Alves, Fernando Pinto Coelho e Fernando Azevedo.

Integrou o corpo docente da ESBAP desde 1977 até se reformar, há 8 anos. Participou em inúmeras exposições coletivas e realizou diversas individuais em Portugal e no estrangeiro, as últimas das quais: Carmina Galeria (Angra do Heroísmo, 2007 e dezembro 2011); “Consumo, candidatos e promessas” na Galeria São Mamede (Lisboa, 2010); “Ponta Delgada, obviamente”, na Galeria Municipal de Cultura de Ponta Delgada, 2009).

A pintura figurativa, narrativa e descritiva de Carlos Carreiro mobiliza personagens, objetos e acontecimentos do quotidiano, a cuja representação o artista acrescenta pormenores pitorescos para melhor as caracterizar e criticar. Não se trata de uma pintura de “denúncia”, acusatória, chocante, mas sim de crítica divertida, manipulando as formas e seduzindo com a cor, bem ao gosto popular, sem abuso das referências eruditas. Nesse sentido, as obras de Carlos Carreiro chegam a ser assumidamente “naïves” e “kitsch”, apresentando atmosferas oníricas próprias do Surrealismo, a poética do Simbolismo e a fria ironia da arte pop.

Fotografia de Nuno Almeida

2011-12-09T17:29:00.000-08:00

(Publicado no jornal Porta da Estrela nº 936, 22/12/2011)

Até final de dezembro, decorre no foyer do cineteatro da Casa Municipal da Cultura uma exposição de fotografia de Nuno Almeida.

Intitulada “The Other Side/O Outro Lado”, a mostra reúne imagens recolhidas em cidades como Amesterdão, Lisboa, Londres, Madrid, Porto e Viena, revelando aspetos menos vistos de locais bem conhecidos.

Natural de Seia, Nuno Almeida é fotógrafo amador. Participou em várias exposições coletivas de fotografias, com destaque para a ARTIS – Festa das Artes e das Ideias em Seia, atualmente Festival de Artes Plásticas de Seia, desde 2008.

Realizou recentemente uma exposição individual intitulada “A Estrela e o Homem – Modificações da paisagem pela intervenção humana”.

Em 2009, foi distinguido com uma Menção Honrosa no Concurso de Fotografia de Ambiente promovido pelo CISE – Centro de Interpretação da Serra da Estrela.

Horário da Exposição: Sextas, Sábados e Domingos, no horário das sessões de cinema.

Casa da Música, Porto (2008)

Exposição de fotografia "Fogo e Ferro Fundido" em Loriga

2011-11-30T14:41:00.000-08:00

A (primeira) exposição individual de fotografia de Mário Jorge Branquinho, "Fogo e Ferro Forjado", apresentada em novembro no foyer do cineteatro da Casa Municipal da Cultura de Seia, encontra-se patente até final de dezembro no Posto de Turismo de Loriga.

As fotos referem-se ao trabalho desenvolvido na Metalúrgica Vaz Leal, em Loriga, de que Mário Jorge Branquinho fala no seu blogue.

Ver o meu texto sobre a exposição de MJB na Casa Municipal da Cultura.

OUTRA VEZ NÃO. EDUARDO BATARDA - finalmente em Serralves

2011-11-24T03:39:00.000-08:00

Não gostei particularmente da entrevista de Eduardo Batarda ao jornal Expresso (Revista Única, Expresso #2038, 19 de novembro 2011), a propósito da exposição retrospetiva “Outra vez não. Eduardo Batarda”, que inaugura amanhã em Serralves. Aprecio a irreverência do artista, cada vez mais necessária nos dias que correm, mas algumas provocações são forçadas e em certa medida gratuitas ou talvez menos pensadas. Por exemplo, quando ele diz, logo no início da entrevista publicada, que os artistas “para serem admiráveis têm que se comportar como escumalha, porque (…) um artista tem que matar os outros todos”.

Batarda diz muitas coisas acertadas e preza muito as suas verdades mas também é certo que cultiva uma imagem de contestatário quase sempre silencioso – ao contrário de um Luiz Pacheco, por exemplo, que falava e escrevia muito, disparando em todas as direções, ou de um João César Monteiro. Mas a capacidade criativa pode ter uma raíz e objetivos contestatários, o verdadeiro criativo apercebe-se da necessidade e oportunidade da criação e sonha desesperadamente mudar alguma coisa com isso, mesmo que o negue ou desvalorize. Ao escrever isto, lembrei-me de Alberto Pimenta e de Jorge Palma, não sei porquê. Entre estes e tantos outros criativos que realmente interessam, Eduardo Batarda tem essa fundamental capacidade de questionar a consciência que temos do mundo que nos rodeia, recorrendo à provocação e à ironia subtil. Como é aliás referido no texto de apresentação da exposição, passo a citar: “A obra de Eduardo Batarda assume-se como um desafio: como interpretar a pintura e as suas imagens, referências e comentários?”

À revelia das verdades artificiais que sustentam o mundo atual e o renovam continuamente, Eduardo Batarda construiu a sua obra desde o final dos anos 60, após a licenciatura em Pintura na ESBAL. Um percurso que a exposição em Serralves pretende mostrar, desde as primeiras obras até aos trabalhos de 2011. Uma trajetória artística com reconhecimento inicial em Inglaterra (prémios Sir Alan Lane e John Minton) e consagração em 2007, com a atribuição do Grande Prémio EDP. É este prémio que justifica esta exposição em Serralves, produzida pela Fundação EDP e a Fundação de Serralves, finalmente de reconhecimento pela especificidade da obra de Batarda, “um elemento estranho no saudável e pacato contexto da pintura nacional” (Miguel von Hafe Pérez).

Já escrevi sobre Eduardo Batarda neste blogue, a propósito da sua exposição “Bicos” (Galeria 111, 2010), mas queria evocar as suas origens na Beira Alta lembrando que o pai era natural da Guarda (Maçainhas de Baixo). Eduardo Batarda e o irmão José António, três anos mais novo, nasceram em Coimbra. Batarda era o apelido da mãe, natural do Redondo.

Comecei este texto dizendo que não gostei da entrevista de Eduardo Batarda (que conheci quando lecionou na ESBAP) mas não é totalmente verdade. Gostei muito do final, quando ele diz: “Acredito nas coisas que me comovem”. E logo depois: “Gostava de me dar melhor com algumas pessoas, gostava que não tivessem morrido duas ou três, gostava que não estivessem doentes três ou quatro”. Não é só um grande artista que diz isto numa entrevista, mas sobretudo uma excelente pessoa.

A exposição “Outra Vez Não. Eduardo Batarda” é inaugurada amanhã, 25 de novembro (entrada livre para a inauguração, das 22h00 às 24h00), abre ao público no dia seguinte e prolonga-se até 11 de março 2012.

TRIBUTO A JOHN LENNON NA GALERIA SÍLVIA SOARES

2011-11-19T15:22:00.000-08:00

A artista e galerista Sílvia Soares teve a ideia, inspirada pelos seus contactos com Sean Ono Lennon, filho de John e Yoko, de assinalar mais um aniversário do nascimento de John Lennon (9 outubro de 1940) e evocar o seu trágico desaparecimento (8 de dezembro de 1980), com uma exposição internacional de tributo ao famoso Beatle.

Com Paul McCartney, John assinou os principais temas da famosa banda britânica e prosseguiu uma carreira de sucessos após a separação dos Beatles, com Yoko Ono ou a solo.

Em 1969, Lennon casou com a artista plástica japonesa Yoko Ono (havendo quem atribua a Yoko a responsabilidade do fim do grupo The Beatles) e foi assassinado em 1980 por um fã, em Nova Iorque, três semanas após o lançamento do seu último álbum, “Dupla Fantasia”.

A exposição coletiva de Tributo a John Lennon é inaugurada a 3 de dezembro, pelas 21 horas, na Galeria de Arte Sílvia Soares, em Oliveira do Douro – Vila Nova de Gaia, e decorre até 31 de dezembro, com obras dos seguintes artistas:

ACHILLE DE MOEWALD – FRANCE
ANTÓNIO MOUSINHO – PORTUGAL
APARÍCIO FARINHA – PORTUGAL
ARMANDO MARTÍNEZ – SPAIN
AUGUSTO ROCHA – PORTUGAL
CARLA SCHWAB – BRAZIL
DANIEL C. BOYER – USA
DANIEL DESOUSA – PORTUGAL
DEWI – CANADA
DMITRY BABENKO – RUSSIA
DOMENICO SEVERINO – ITALY
DORIAN RIBAS MARINHO – BRAZIL
EDUARDO J. ORTÚN – SPAIN
ELOIR JR. – BRAZIL
ENI ILIS – BRAZIL
GIOVANNI STRADA – ITALY
HELENA LEÃO – PORTUGAL
HENRIQUE DO VALE – PORTUGAL
HERVÉ – FRANCE
IRENE GOMES – PORTUGAL
JAIME CANHA – PORTUGAL
JAROMIR SVOZILIK – NORWAY
JOÃO BENTO SOARES – PORTUGAL
JOAQUIN GOMEZ – SPAIN
JOSÉ NOGUEIRA – BRAZIL
JULIEN RDX – ANDORRA
KARIN GREENWOOD – SOUTH AFRICA
KATERINA NIKOLTSOU – GREECE
MANFRED HEINZE – GERMANY
MANOEL BONABAL – SPAIN
MARGARIDA BASALOCO – PORTUGAL
MARIA DE LOURDES RABELLO VILLARES – BRAZIL
MICHALIS KOTSARIS – GREECE
MICHEL DELLA VEDOVA – FRANCE
MONICA REX – USA
PAUL TIILILÄ – FINLAND
PEDRO BERICAT – SPAIN
RAIMUNDO MATOS DE LEÃO – BRAZIL
REINHARD GIEBELHAUSEN – GERMANY
RENATA STRADA – ITALY
ROBERT P. MAU – GERMANY
ROBERTO SCALA – ITALY
ROSICLER PRAGER – BRAZIL
RYOSUKE COHEN – JAPAN
SABELA BAÑA – SPAIN
SÉRGIO REIS – PORTUGAL
SERSE LUIGETTI – ITALY
SILVANO PERTONE – ITALY
SÍLVIA SOARES – PORTUGAL
SIMON WARREN – ENGLAND
SJOERD PARIDAEN – BELGIUM
SUSANA PICASSO – ARGENTINA
SUSANA RIBUFFO – SPAIN
TONY KENNEDY – ENGLAND
VALENTINE MARK HERMAN – FRANCE
WALTER BACHMANN – GERMANY
WISNUAJI PUTU UTAMA – INDONESIA

XVII GALERIA ABERTA, EM BEJA

2011-11-19T15:08:00.000-08:00

Inaugurou a 12 de Novembro e decorre até 30 de Dezembro, em Beja, a XVII Galeria Aberta, uma exposição coletiva que tem batido sucessivos recordes de participantes. Este ano, a exposição conta com 303 artistas regionais, nacionais e internacionais, cujas obras de Pintura, Escultura, Desenho, Gravura, Serigrafia e Fotografia, foram distribuídas por três locais: Galeria dos Escudeiros, Hospital da Misericórdia (Hospital velho) e Casa do Governador, no Castelo de Beja. O motivo da dispersão deve-se às obras de requalificação do Museu Jorge Vieira, cuja conclusão estava prevista para novembro, e ao elevado número de obras a expor.

Jorge Vieira (Lisboa, 1922-Évora, 1998) foi meu professor de Desenho Básico no 1º ano da ESBAP, já lá vão “uns” anitos, e recordo com saudade o artista, cujo trabalho sempre admirei.

Organizada pela Câmara Municipal de Beja, a iniciativa visa “estimular e promover a atividade artística local e o desenvolvimento de novas formas expressivas, contribuindo para o enriquecimento cultural do concelho e da região”.

O catálogo da exposição reproduz as 303 obras expostas.

Agradavelmente surpreendidos

2011-11-16T07:26:00.000-08:00

Ainda mal começava a exposição sobre O Corpo, fomos agradavelmente surpreendidos com a primeira página de um novo jornal angolano, "Le Monde Diplomatique - Angola" (Nº 01, novembro 2011), que incluía a reprodução de uma obra (livro-objecto "Geografias Cruzadas) de Maria Celeste Alves e a referência à exposição O Corpo, na Casa Municipal da Cultura de Seia.

De referir que os artigos deste novo jornal angolano são ilustrados com a reprodução de obras de artistas portugueses, o que se aplaude e recomenda. Exceptuando a primeira série do JL - Jornal de Letras (Ano I, 1981-82), com artigos ilustrados por João Abel Manta, os jornais divulgam pouco o trabalho dos artistas portugueses (com as revistas, a conversa é outra, felizmente), inclusive os jornais especializados.

"Le Monde Dilomatique" é um jornal mensal francês fundado em 1954 pelos proprietários do jornal "Le Monde". Inicialmente publicado como suplemento do Le Monde, destinado aos diplomatas e às organizações internacionais, ganhou autonomia e dimensão. No final da década de 1970, o jornal começou a ser publicado fora da França, contando atualmente com cerca de 7 dezenas de edições em todo o mundo.

Coletiva O Corpo - imagens da exposição

2011-11-15T02:59:00.000-08:00

Vista parcial da exposição: esculturas de Dora Tracana,

pintura de Alberto D'Assumpção e Alexandre Magno

Encontra-se patente ao público até ao final de Dezembro, na Casa Municipal da Cultura de Seia, uma exposição coletiva de artes plásticas sobre O Corpo. A entrada é gratuita e recomenda-se vivamente uma visita dada a variedade das abordagens do tema e a diversidade das linguagens plásticas.

Ver o meu texto de apresentação da exposição em Artes Vivas.

Ver o meu texto de apresentação da exposição em Artis de Seia.

Ver referência no Le Monde Diplomatique-Angola.

Cartaz da exposição e gravura de Rui Gouveia

Vista geral do salão

Ana Maria - "A Minha Pintura é o Meu Corpo"

Escultura de Fernando Saraiva

Obras de Henrique do Vale, escultura de Ana Carvalhal e Iliana Menaia, pintura de Sérgio Reis e Rik Lina

Escultura de Dora Tracana

Desenho de Ricardo Cardoso

Pintura de Gomez, desenho de Raquel Rocha, pintura de Sílvia Marieta

Pintura tridimensional de Silvia Marieta

Pintura de Luiz Morgadinho e Pedro Prata, arte digital de Adriana Matos

Livros-objeto de Maria Celeste Alves

Pintura de Carlos Godinho e Irene Gomes

Pintura de Claudine Rodrigues

Mais imagens da exposição em Artis de Seia.

Exposição permanente da Coleção Berardo

2011-11-08T16:36:00.000-08:00

A partir de hoje, 09 de novembro, fica patente ao público a totalidade da coleção Berardo contratualizada com o Estado. Ao conjunto de obras expostas no piso 2 do Museu Coleção Berardo (1900-1960), junta-se agora o núcleo de obras do período 1960-2010. Assim, a exposição permanente permite agora uma viagem pela História da Arte do séc. XX e primeira década do séc. XXI.

Pintura de Leonardo da Vinci na National Gallery

2011-11-06T16:39:00.000-08:00

“Leonardo da Vinci: Pintor na Corte de Milão” é o título da importante exposição que abre a 9 de Novembro na National Gallery de Londres.

A primeira do seu género no mundo, inspirada pela obra “A Virgem dos Rochedos”, recentemente restaurada, a mostra reúne as mais raras obras produzidas por Leonardo da Vinci como pintor da corte de Ludovico Sforza em Milão, no final da década de 1480 e nos anos 90 do mesmo século.

Ao todo, são 93 obras de pintura (óleo e tempera sobre madeira, óleo sobre madeira e tela) e desenhos (a giz, tinta,...) e gravura, distribuídos por 7 salas temáticas: 1 - O músico em Milão: uma revolução silenciosa (Leonardo terá chegado à corte de Milão como músico talentoso); 2 - Beleza e Amor: retratos de mulheres por Leonardo (sobre o ideal de beleza do artista); 3 - Corpo e Alma: a penitência de São Jerónimo (Leonardo iniciou os seus estudos anatómicos em Milão); 4 - Pintando o Divino: A Virgem dos Rochedos (sobre as duas versões pintadas por Leonardo); 5 - A Madona Litta: Leonardo e os seus companheiros (a célebre obra interpretada pelos "companheiros pintores", em especial Giovanni Antonio Boltraffio, Marco d'Oggiono e Francesco Galli, o Napolitano); 6 - O Milagre do Talento: Leonardo e os franceses (após a tomada de Milão pelo rei de França, Luís XII, Leonardo pintou para os franceses); 7 - Carácter e Emoção: A Última Ceia (pesquisas de Leonardo sobre a expressão do carácter e das emoções para representar os 12 apóstolos).

Leonardo da Vinci, "A Dama do Arminho" (c.1489-90)

Entre as principais obras expostas, encontra-se "A Dama do Arminho" (óleo s/madeira), o famoso retrato de Cecília Gallerani, amante de Ludovico Sforza, pintada cerca de 1489-90. O arminho era o símbolo do Duque de Milão, que encomendou a Leonardo diversas obras, entre as quais "A Última Ceia". Outra pintura exposta é "A Bela Ferronnière" (óleo s/madeira, cerca de 1493-94), possível retrato de Beatrice D'Este, esposa de Ludovico Sforza, ou a representação apaixonada de um ideal de beleza, para além da obra inacabada "São Jerónimo" (óleo s/madeira, cerca de 1488-90), "A Virgem dos Rochedos" (óleo s/madeira, 1483-85), "A Madona Litta" (tempera s/madeira, 1491-95), ou o recentemente (re)descoberto "Cristo Salvator Mundi" (óleo s/madeira, cerca de 1499).

A exposição decorre até 5 de Fevereiro de 2012.

O Corpo - Exposição coletiva de artes plásticas

2011-10-28T16:59:00.000-07:00

De 10 de Novembro a 31 de Dezembro, decorrerá na Casa Municipal da Cultura de Seia uma exposição coletiva de artes plásticas sobre o tema “O Corpo”. Integrada na programação das Jornadas Históricas de Seia, este ano dedicadas ao tema "A História e o Corpo", a exposição reúne um conjunto diversificado de obras de três dezenas de artistas.

A representação do corpo humano é indissociável da expressão artística ao longo dos tempos, desde a arte rupestre ao intenso diálogo entre Arte e Tecnologia que marca a contemporaneidade artística. Ao longo da História da Arte, o modo com os artistas representaram o corpo refletiu as crenças, valores, ideias e aspirações do seu tempo. E se o Desenho de modelo vivo ou a Pintura perderam algum entusiasmo representativo perante as competências realistas da fotografia e do cinema, a escultura continua a privilegiar a representação do corpo, com múltiplas abordagens ao sabor das estéticas e das linguagens plásticas.

Hoje representado sem impedimentos científicos e técnicos ou limitação moral, o corpo é a mesma máquina biológica complexa que os artistas da antiguidade representavam esquematicamente e que Leonardo da Vinci estudou e representou em segredo, desafiando todas as incompreensões da sua época. É o sistema complexo de órgãos e fluídos cujo equilíbrio e acerto funcional ainda hoje surpreende os cientistas, o produto de um código genético que desdobra a matéria imitada, o corpo como produto de uma evolução mas também habitáculo da “alma” e finalmente defunto (“o que perdeu a função”), condenado a perder-se na matéria informe.

Entre os artistas presentes, contam-se Adriana Matos, Alberto D'Assumpção, Alexandre Magno, Ana Carvalhal, Ana Maria, Belarmino Morgadinho, Carlos Godinho, Celeste Alves, Claudine Rodrigues, Dora Tracana, Eduardo Lóio, Fernando Saraiva, Francisco Nolasco, Henrique do Vale, Iliana Menaia, Irene Gomes, José Carlos Marques, José Gomez, Luiz Morgadinho, Miguel Carvalho, Pedro Prata, Raquel Rocha, Ricardo Cardoso, Rik Lina, Rui Gouveia, Seixas Peixoto, Sílvia Marieta, Sérgio Reis e Virgínia Pinto. Há ainda a destacar uma presença significativa de artistas da Secção do Cabo Mondego do Grupo Português Surrealista, que prometem alguma animação artística no dia da abertura.

Organizada em colaboração com a Associação de Arte e Imagem de Seia, a exposição encontra-se patente das 10 às 18 horas (segunda a sexta-feira) e das 15 às 17:30 horas (domingos e feriados).

Pintura de Irene Gomes

Obras de Henrique do Vale

A Natureza-morta na Europa, Parte II

2011-10-20T14:23:00.000-07:00

Nos primeiros 16 dias, a aguardada segunda parte da exposição sobre o tema da "Natureza-morta" recebeu 25 mil visitantes, o que constitui um novo recorde do Museu Gulbenkian.

Inaugurada a 20 de outubro, a exposição abriu ao público no dia seguinte (Entrada: 5€ - Entrada + Audioguia: 6€), na Galeria de Exposições da Sede da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa. A primeira parte foi apresentada neste mesmo espaço em 2010.

Intitulada “A Perspetiva das Coisas – A Natureza-morta na Europa, 1840-1955”, a mostra comissariada por Neil Cox apresenta as diversas abordagens do tema no contexto da modernidade novecentista e das vanguardas da primeira metade do século XX. O marco de 1955 não foi estabelecido ao acaso, trata-se do ano do falecimento da Calouste Gulbenkian.

Entre as obras apresentadas, destacam-se pinturas de Cézanne, Monet, Picasso, Braque, Matisse, Odilon Redon, Emil Nolde, Filippo de Pisis, James Ensor, Max Beckmann, André Derain,Magritte, Eduardo Paolozzi, Salvador Dali, entre outros nomes de referência da Pintura, cedidas por importantes museus europeus e americanos,

A exposição decorre até 08 de janeiro de 2012.

Odilon Redon (1840-1916) - Natureza-morta de 1901

Prémio Amadeo de Souza-Cardoso

2011-10-20T13:14:00.001-07:00

JOSÉ RODRIGUES

2011-10-11T15:14:00.000-07:00

"TRAVESSIAS DO DESENHO E DA ESCULTURA"

“José Rodrigues é autor de uma extensa obra, desenvolvida entre os anos 60 e a atualidade, nos domínios da escultura, da cerâmica, do desenho, da ilustração, da medalhística e da cenografia, que acompanha as alterações do campo artístico e estético, verificadas a partir da década assinalada, em que termina e sua formação académica e inicia uma longa carreira. Provavelmente mais conhecido pelas esculturas da sua autoria que se encontram no espaço público, nos planos nacional e internacional, há outras dimensões do seu trabalho que merecem ser mostradas, estudadas e debatidas. Se a escultura atingiu uma visibilidade que a dimensão de arte pública lhe garantiu, o desenho pode ter sido condenado ao intimismo e ao isolamento do atelier em função dos aspetos intrínsecos à sua criação.

Ao apresentar uma travessia do desenho produzido ao longo de décadas e ao pontuar, por esculturas, esse percurso, esta exposição define um diálogo entre dois meios e dois modos de expressão que mutuamente se desafiam, interpelam e confirmam.”

Centro de Arte Contemporânea Graça Morais - Bragança, 15 de outubro de 2011 a 8 de janeiro 2012

Comissariado: Laura Castro / Organização: Árvore - Cooperativa de Atividades Artísticas, CRL; Câmara Municipal de Bragança/CACGM

"FOGO E FERRO FORJADO"

2011-10-11T03:29:00.000-07:00

Arte fotográfica e fotojornalismo na primeira exposição individual de fotografia de Mário Jorge Branquinho

Até final de outubro, decorre no foyer do cineteatro da Casa Municipal da Cultura de Seia uma exposição de fotografia de Mário Jorge Branquinho.

Fotógrafo amador desde há muitos anos, participou em várias exposições coletivas de fotografia, tendo obtido alguns prémios. Esta é a sua primeira exposição individual.

Intitulada “Fogo e Ferro Forjado”, o interessante conjunto de imagens expostas reúne dois conceitos próprios da fotografia: a fotografia como arte e a fotografia como documento. Enquanto expressão artística de uma experiência sensorial que procura a cumplicidade estética do espectador, permite-nos o acesso a um ambiente ancestral, onde as matérias se transmutam em clarões de luz e forjas incandescentes, o postigo através do qual se vislumbram as poderosas energias contidas nas profundezas da Terra, uma pálida ideia do Inferno imaginado já pelos gregos (1). Algumas imagens são autênticas preciosidades, mostrando o homem no centro de um cenário apocalíptico que ele próprio desencadeia, rodeado de fogo e de calor, que despertam e animam as sombras. No fundo, uma estética clássica, despertando as formas nas sombras vazias do fundo, explorada na pintura por Rembrandt ou Caravaggio e que continua a resultar muito bem na fotografia, para acentuar o dramatismo das cenas ou destacar a intensidade emotiva das personagens. Enquanto testemunho e denúncia de uma realidade vivenciada, a exposição de Mário Jorge Branquinho apresenta-nos belíssimos exemplos de fotojornalismo, revelando as difíceis condições em que o homem é obrigado a ganhar a vida e o sustento da família no início da segunda década do século XXI, e enquadra-se perfeitamente no Cine’Eco – XVII Festival Internacional de Cinema Ambiental da Serra da Estrela. Apesar da “nova fórmula”, o Cine'Eco continua, e bem, construído em torno de uma ideia abrangente de “Ambiente”, extensível aos meios urbanos e ao denominador comum da presença transformadora do Homem.

As fotos referem-se ao trabalho de reciclagem de ferro-velho na Metalúrgica Vaz Leal, em Loriga, “faina frenética na cor do fogo de artifício estrelado e saltitante, (…) ancestral, a ferro e fogo forjado, com as portas abertas ao mundo”, segundo o autor.

Ao longo dos seus 17 anos de vida, o Cine’Eco já ofereceu ao seu público variadas exposições, sempre ligadas ao Cinema ou ao Ambiente, com muitas surpresas agradáveis. Esta é, a meu ver, uma delas, servindo também para destacar a presença continuada de Mário Jorge Branquinho na direção executiva do Festival, desde a primeira edição, e o seu papel como agente organizador e dinamizador da Cultura em Seia.

Mário Jorge Branquinho nasceu no Sabugueiro (Seia) em junho de 1966.

Licenciado em Ciências Sociais, é responsável e programador da Casa Municipal da Cultura de Seia, no âmbito da qual tem impulsionado inúmeras iniciativas, entre elas a ARTIS - Festival das Artes em Seia. É Autor dos livros “Sentido Figurado” e “O Mundo dos Apartes” e tem sido, ao longo dos anos, colaborador de vários órgãos de imprensa local e regional.No domínio da fotografia tem participado em vários concursos, tendo alguns Primeiros Prémios.

Está ligado ao movimento associativo do concelho e é autor do blogue Seia Portugal.

(1)- Quando a ideia de “lugar para onde os mortos vão”, o Hades, se fundiu com Geena, “lago de fogo”, e o pior lugar do mundo passou a ser imaginado - e representado - como um lago de fogo.

“Fogo e Ferro Forjado” – exposição de fotografia de Mário Jorge Branquinho, foyer do cineteatro da Casa Municipal da Cultura. Até final de outubro. 2ª a 6ª: 10-18.00 horas. Até ao fim do Cine’Eco, 15 de outubro: 2ª a domingo, 10-23.00 horas.

Censura na arte - mera estratégia de marketing?

2011-10-05T09:53:00.000-07:00

Mideo Cruz, "Politeísmo" (vista parcial)

A provocação artística, desafiando os valores instituídos, sempre foi apanágio de uma vanguarda mais interventiva, muitas vezes precipitada a denunciar o que lhe parece mal e atrapalhada na ânsia de corrigir ou salvar o mundo. A mudança não só é desejável como inevitável, pois “o mundo pula e avança” pelos caminhos que ele próprio reinventa, mas nunca é pacífica quando alguém a exige ou impõe unilateralmente.

Muitas das obras de arte atualmente consideradas obras-primas da Arte Universal, admiradas, estudadas, interpretadas, exibidas como exemplos, provocaram a indignação da sociedade do seu tempo, foram censuradas e alteradas ao sabor de ideais moralistas, serviram amiúde de pretexto para exaltar indivíduos e grupos, nem sempre justamente, ou para os perseguir e condenar sem piedade. Foi esse o preço do arrojo criativo dos artistas dessas épocas, que gerou mitos, lendas, santos, fantasmas e alguns mártires .

Hoje, a provocação pode servir uma ideia estética, visando, entre muitos outros objetivos, desgostar o espectador (Mark Rothko, por exemplo), confundir o público (Julian Schnabel, idem), horrorizar (Rudolf Schwarzkogler, ibidem) ou “irritar os estúpidos” (Eduardo Batarda), validando estéticas de certo modo marginais - como as estéticas do feio e do horrível, que não enjeitam as ferramentas da publicidade negativa. Outros artistas preferem, ou assumem por acréscimo, a provocação como estratégia de comunicação, para chegarem às massas pelo megafone do escândalo, e as suas obras chegam mesmo a ser aproveitadas para promover eventos, direcionando polémicas ou servindo de arma de arremesso em guerrilhas nem sempre do âmbito artístico.

Entre os casos mais recentes, lembremos o brasileiro Gil Vicente (n. Recife, 1958), cujas obras controversas ajudaram a promover a Bienal de São Paulo 2010. Vicente apresentou na bienal uma série de desenhos intitulada “Inimigos”, nos quais se autorretrata assassinando políticos brasileiros como Lula da Silva ou Fernando Henrique Cardoso e ameaçando com uma pistola o Papa Bento XVI, o presidente do Irão, a rainha da Inglaterra e o ex-primeiro ministro de Israel, Ariel Sharon. A Ordem dos Advogados do Brasil considerou o conteúdo dos desenhos como uma "apologia ao crime" e exigiu a retirada das obras, argumentando: “Ainda que uma obra de arte expresse a criatividade de seu autor livremente e sem limites, deve haver determinados limites para a sua exposição pública”. As obras não foram retiradas e a bienal recebeu um acréscimo inesperado de visitantes.

Outro caso recente, aconteceu nas Filipinas em junho de 2011 e teve como centro uma instalação de Mideo M. Cruz (n. Manila, 1974) intitulada “Politeísmo”, considerada ofensiva. Integrada numa exposição coletiva no Centro Cultural das Filipinas, a obra de grande dimensão (ocupava três paredes) misturava as imagens de Cristo, Maria e José, com símbolos kitsch da cultura pop, entre os quais imagens do rato Mickey, da Estátua da Liberdade e de Barack Obama, e um crucifixo com um pênis móvel. A exposição foi encerrada após a inauguração e o artista recebeu ameaças de morte, apesar de ter declarado que não pretendera ofender mas sim “provocar debates e o pensamento crítico” sobre os mitos contemporâneos. A obra internacional de Mideo Cruz é dominada pela provocação, visando chocar o público com as evidências do realismo social defendido pelo movimento “Kulô”, no qual se integra. Tal como Chris Milado, um dos responsáveis pela polémica exposição, podemos defender que Cruz procura “refletir algo que existe na sociedade”, embora o resultado da ousadia fosse previsível. Que reação esperava o artista do público, colando símbolos do consumismo a representações de Jesus Cristo e da Virgem Maria e expondo o resultado em Manila, a capital do terceiro maior país católico do mundo? O país que, pela Páscoa, envia para o mundo imagens de extrema religiosidade, como autoflagelações sangrentas e crucificações ao vivo. E parece-me legítimo perguntar: teria Mideo Cruz a mesma projeção mediática se realizasse esta exposição em Paris, Londres ou Nova Iorque – cidades onde já expôs o seu trabalho?

Em Portugal, temos também casos recentes e bem distintos, pela sua escala trágica e magnitude bem mais modestas. Eles são já, na verdade, fruto dos tempos, e vão provocando alguma discussão em torno da função social da arte, dos mecanismos de difusão da arte contemporânea e dos critérios de promoção ou de controlo das obras e objetos artísticos. Falou-se mesmo de censura, mas casos como estes permitem segundas leituras e muito espaço para evasivas e planos B.

Em maio de 2010, a exposição de um jovem pintor de Vila do Conde na capela laicizada do Paço dos Duques de Bragança, em Guimarães, foi encerrada após a inauguração pelo diretor desse espaço museológico, alegando que “as pessoas não aceitaram muito bem a ligação entre o tema e o espaço” (jornal Público). A instalação “Requiem by a young painter”, de Filipe Marques, realizada em 2000 na sequência de uma visita do artista a Auschwitz-Birkenau, tratava as ligações entre o regime nazi e a Igreja Católica e mostrava uma série de retratos de oficiais nazis colocados em volta do retrato do papa Pio XII. Naturalmente, foi arrojado da parte do artista encaixar num espaço religioso, mesmo que encerrado ao culto, a materialização de uma culpa de que o vaticano ainda não se redimiu e que magoa todos os católicos, tal como os judeus sentem algum desconforto quando os associam à morte de Jesus, ou os muçulmanos evitam falar dos atentados de 11 de setembro. Felizmente, a Associação Artística Vimaranense não concordou com a censura imposta a Filipe Marques pelo diretor do museu/monumento nacional, que preferiu encerrar a exposição a colecionar reclamações dos visitantes pagantes, e ofereceu de imediato a sua sede para mostrar sem reparos a instalação condenatória do jovem pintor vila-condense.

Outro caso, muito recente, foi o cancelamento da exposição de João Pedro Vale (n. Lisboa, 1976) e Nuno Alexandre Ferreira, ainda antes da inauguração, marcada para 2 de setembro de 2011 no Espaço Arte, em Lisboa. Quando a Companhia de Seguros Tranquilidade teve conhecimento da temática homossexual da exposição, foi pedido aos artistas que mudassem de tema de modo a não ferir a sensibilidade dos acionistas da companhia. Ora a exposição era o resultado de um projeto desenvolvido pelos artistas nos EUA. Não se muda assim, do pé para a mão, o tema a uma exposição, fosse por um imprevisto sinistro ou para agradar aos acionistas. Os artistas consideraram o caso uma “questão de homofobia” e acusaram a Tranquilidade de censura, com o apoio do Bloco de Esquerda. Intitulada “P-Town”, a exposição vai abrir finalmente a 8 de novembro 2011 na Galeria Boavista, Câmara Municipal de Lisboa.

Há poucos dias, as peixeiras de Aveiro exigiram a retirada de uma escultura em grés de Umbelina Barros (n. Caldas da Rainha, 1974) da entrada do mercado do peixe José Estevão. Intitulada “Garrafa”, a obra representa um falo das Caldas com 2,47 metros e foi ali colocada para promover a 10ª Bienal Internacional de Cerâmica Artística de Aveiro (1 de outubro a 13 de novembro). A artista argumentou que “não era intenção ofender”, “é uma obra escultórica e não um insulto”, mas colocar um pénis gigante à porta das peixeiras aveirenses deu no mesmo que expor “Politeísmo” de Mideo Cruz em Manila. A vereadora do pelouro da cultura, Maria da Luz Nolasco, aceitou retirar a obra, que foi desmontada e levada de volta para as Caldas, mas Umbelina Barros colocara “a bienal de cerâmica de Aveiro no mapa” (TVI24). Resta acrescentar que a ceramista caldense participava na bienal com essa obra por convite da Câmara Municipal, como foi aliás noticiado.

No entanto, a polémica em torno da X Bienal de Cerâmica de Aveiro não se reduz à curiosa “garrafa” caldense, alargou-se à própria organização da mostra, com Maria da Luz Nolasco novamente no epicentro. A vereadora da cultura (que foi conservadora do Museu de Aveiro/Santa Joana até 2009 e diretora geral do Teatro Aveirense desde 2005), resolveu aproveitar os seus dotes criativos e utilizar como suporte das obras expostas, velhos eletrodomésticos recuperados e pintados com cores vivas. No seu blogue, no texto “Monstros em vez da bienal de cerâmica”, a ceramista Sofia Beça critica a opção e explica como os artistas participantes foram prejudicados com a “instalação” de Maria da Luz Nolasco na bienal.

Serão estes artistas controversos, de facto irreverentes, provocatórios, inspiradores? Ou inteligentes e arrojados estrategas de marketing? Ou serão ambas as coisas, uns melhor que outros – ou, pelo menos, com diferente atrevimento?

Quando são apanhados no rebentamento da onda que eles próprios criaram, ou ajudaram a criar, nem todos assumem imediatamente a irreverência artística, o arrojo criativo, o gosto de “chocar”, como seria de esperar e eticamente desejável – até para ocuparem com dignidade o devido lugar na história. Antes disso, mostram-se surpreendidos com as repercussões do caso. Que não queriam ofender. Que não aceitam ser censurados. Poucos podem refugiar-se no silêncio e no anonimato – como os 12 autores das caricaturas de Maomé em 2005, por exemplo, ou o fugidio autor do báculo fálico da estátua de D.João Peculiar em Braga (2003). O caso das caricaturas de Maomé, é um dossier condenado a ficar para sempre incompleto. Quanto à estátua do arcebispo de Braga que coroou D. Afonso Henriques como primeiro rei de Portugal, vinha gente de toda a Península Ibérica em busca da galhofa e da fotografia comprometedora. “Todos entendemos a questão da estátua e do báculo”, disse D. António Dias, bispo auxiliar da diocese, antes da retirada da estátua do local, em 2007. E rematou: “É uma escultura infeliz”.

PINTURA DE RUI CRISTINO DA SILVA EM SEIA

2011-09-30T14:40:00.000-07:00

Rui Cristino da Silva, "Seia - vista panorâmica", 2011, óleo s/tela

"Da Serra da Estrela, Seia,

tem na sua singeleza,

da matriz, cidade cheia,

de ser glória portuguesa."

Mário Cristino da Silva

“Num Olhar” é o título da exposição de pintura de Rui Cristino da Silva, patente na sala principal e galerias da Casa Municipal da Cultura de Seia. A mostra reúne um conjunto significativo de pinturas a óleo sobre tela, com paisagens e recantos pitorescos de Seia e outras localidades da Beira Alta, de Coimbra e da Estremadura.

Rui Cristino da Silva nasceu em Lisboa em 1948 e descende de uma linhagem de artistas com obra reconhecida no século XIX e XX, com destaque para o trisavô, João Cristino da Silva (Lisboa, 1820-1877), o principal pintor paisagista do seu tempo, em Portugal, professor substituto da Academia Real de Belas Artes e muito bem relacionado com o rei D. Fernando II. O filho deste, João Ribeiro Cristino da Silva (1858-1948), foi igualmente pintor paisagista, para além de gravador e decorador, também conhecido por ter integrado o famoso Grupo do Leão. O seu avô, o arquiteto Luís Cristino da Silva (Lisboa, 1896-1976), concebeu alguns conhecidos edifícios e arranjos urbanísticos, participou ativamente na Exposição do Mundo Português (1940), chefiou o projeto da Cidade Universitária de Coimbra, ensinou arquitetura na Escola de Belas Artes de Lisboa e recebeu vários prémios de arquitetura, entre os quais o Prémio Valmor.

A pintura realista de Rui Cristino da Silva respeita e honra as tradições paisagistas dos pintores da família, com alguma preferência pelo geometrismo nas composições mais poderosas, esmerado tratamento das texturas e cor local.

Anta do Carvalhal da Louça - pintura a óleo s/tela de Rui Cristino da Silva

Na inauguração, estiveram presentes familiares e amigos de Rui Cristino da Silva, entre os quais Alberto Toscano Pessoa e os artistas senenses Xico Melo e Júlio Vaz Saraiva, assim como a vereadora da Cultura da Câmara Municipal de Seia, Cristina Sousa. O pai do artista, o poeta Mário Cristino da Silva, atualmente com 90 anos, leu um poema sobre Seia e declamou outros, de memória.

A exposição permite ainda conhecer com alguma profundidade a obra diversificada do artista, já que o visitante pode aí encontrar outras obras originais, maquetas, reproduções, medalhística, recortes de jornais e catálogos, que ilustram o seu desempenho em várias áreas artísticas e a sua presença em importantes certames internacionais de pintura em Acapulco, Berlim, Bruxelas, Estrasburgo, Hannover, Madrid, Montreal, New Orleans, New York, Paris ou Rio de Janeiro.

A mostra decorre até final de outubro.

Mário Cristino da Silva, lendo o seu poema.

Rui Cristino da Silva

Júlio Vaz Saraiva e Xico Melo

Xico Melo, Rui Cristino da Silva, Sérgio Reis (foto de Mário Jorge Branquinho)

Inauguração do CAAA em Guimarães

2011-09-30T14:10:00.000-07:00

"O CAAA - Centro para os Assuntos da Arte e Arquitectura - é uma associação cultural criada por um grupo de arquitectos e artistas, com sede em Guimarães, numa antiga fábrica têxtil na zona central da cidade, recuperada para o efeito. Funciona como uma estrutura de criação, apoio, divulgação e estímulo à criação e aplicação de novos métodos de produção e interacção entre as mais diversas áreas de manifestação artística - artes visuais, design, cinema, literatura, multimédia, artes do espectáculo, música, fotografia e arquitectura entre outras.

O CAAA produz, publica, alberga, arquiva e serve: produz manifestações de natureza cultural e artística, edita uma publicação sobre os assuntos de arte e arquitectura, alberga acontecimentos e agentes culturais, arquiva a memória das suas produções e publicações serve a cidade e a região onde se insere, promovendo a cultura, o diálogo, a diversidade e a experimentação."

CAAA - Centro para os Assuntos de Arte e Arquitectura Rua Padre Augusto Borges de Sá, 4810-523 Guimarães, Portugal

RETROSPETIVA DE JOÃO PENALVA NO CAM

2011-09-26T16:03:00.000-07:00

No Centro de Arte Moderna da Gulbenkian, em Lisboa, decorre até 09 de outubro uma importante exposição retrospetiva de João Penalva, um dos artistas portugueses mais internacionais, radicado em Londres há cerca de 40 anos.

João Penalva (n. 1949, Lisboa) é bailarino, pintor, ator, escritor, tradutor, gráfico, curador, cineasta, fotógrafo, e a singularidade da sua obra resulta do modo como coloca em diálogo várias destas experiências de linguagem.

“Trabalhos com texto e imagem” reúne obras significativas dos últimos 20 anos do percurso artístico de João Penalva, desde as pinturas dos anos 90 aos trabalhos mais recentes, passando pelas instalações, fotografias e filmes, proporcionando uma visão ampla do seu universo criativo. A sua obra privilegia o cruzamento entre imagem e texto (no sentido mais lato), frequentemente o lugar ou já o referente de renovadas encenações narrativas, fragmentos de texto e tecidos imagéticos próximos da poesia visual, jogos de espelhos e de significados, reflexos, transparências e opacidades comunicativas.

João Penalva estudou na Chelsea School of Art, Londres, de 1976 a 1981, optando depois por viver e trabalhar na capital inglesa. Realizou a sua primeira exposição individual em 1983, no Porto, após ter participado na “New Contemporaries” (IAC, Londres, 1980), tendo depois participado na coletiva “Artistas Portugueses residentes no estrangeiro” (Galeria Almada Negreiros, Lisboa, 1984). Realizou importantes exposições individuais no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 1990), no Centro Cultural de Belém (Lisboa, 1999), no Camden Arts Centre (Londres, 2000), e no Museu de Arte Contemporânea de Serralves (2005), entre outras. No que respeita a exposições coletivas, destacam-se as participações na XXIII Bienal de São Paulo, Brasil, em 1996, na II Bienal de Berlim e na Bienal de Veneza em 2001, e na Bienal de Sidney, em 2002.

Parte das obras em exposição no CAM serão mostradas na Kunsthallen Brandts, Dinamarca, em 2012.

JÚLIO RESENDE (1917-2011)

2011-09-21T10:55:00.000-07:00

“Os tubos de tinta estão em aparente desalinho sobre o chão. No cavalete, um espaço num desafio. Os pincéis estão ao alcance da mão.” (1)

Faleceu hoje em Valbom, Gondomar, o pintor Júlio Resende. Uma referência cultural da cidade do Porto e uma figura de relevo no panorama artístico nacional da segunda metade do século XX, Resende completaria 94 anos em 23 de outubro. Para amanhã, 22 de setembro, estava prevista a sua presença em Lisboa, na inauguração da exposição "Resende, uma mão cheia de cor: um pintor de mão cheia", na galeria São Roque.

Como artista, Resende iniciou-se no neorrealismo, na peugada de Dórdio Gomes e tendo por companheiros artistas como Júlio Pomar, Manuel Guimarães (que se destacou no cinema) ou Fernando Lanhas. Foi grande amigo de Vergílio Ferreira (que escreveu um belíssimo texto para o primeiro documentário sobre J.R., realizado em 1968 por Manuel Guimarães), Roger Avermaete, Angel Crespo, Júlio Charrua, Eugénio de Andrade, José Régio, Jorge Amado, Mário Cravo Fillho, entre muitas outras destacadas figuras da cultura francesa, belga, brasileira e espanhola, havendo ainda a referir a sua presença em Osaka em 1970, para a direção plástica do Espetáculo de Portugal na Exposição Mundial de Osaka, liderando uma equipa constituída por Amândio Silva, Ângelo de Sousa e José Rodrigues.

Realizou a primeira exposição individual em 1944, no Salão Silva Porto, dois anos antes de completar o curso da ESBAP e de seguir para Paris com uma bolsa do Instituto para a Alta Cultura, que conseguiu renovar até 1948. Aí lançou as fundações de uma carreira artística internacional, muito diversificada (desenho, pintura, gravura, pintura a fresco, vitral, painéis cerâmicos, ilustração de obras literárias e cenários teatrais), com diversos prémios (Prémio Nacional de Pintura da Academia de Belas-Artes, Prémios Armando de Basto e Sousa Cardoso, Prémio Especial da Bienal de Arte de S. Paulo, 1º lugar no Concurso para o Monumento ao Infante D. Henrique, Medalha de Prata na Exposição Internacional de Bruxelas, 1º Prémio de Artes Gráficas na X Bienal de S. Paulo, entre outros) e distinções, com destaque para: Medalha de Ouro da Cidade do Porto, o Grau de Oficial da Ordem de Santiago de Espada em Portugal e da Ordem de Mérito Civil do Rei de Espanha, etc. As suas obras públicas mais conhecidas em Portugal são os murais "Ribeira Negra", na Ribeira do Porto, e o da estação de Sete Rios do Metropolitano de Lisboa.

Enquanto professor, Júlio Resende foi uma referência fundamental para sucessivas de gerações de estudantes de arte – muitos deles futuros artistas – que passaram pela Escola Superior de Belas Artes do Porto entre 1963 (quando entrou para a ESBAP como primeiro assistente de Pintura, após ter sido aprovado “em mérito absoluto” em concurso para professor dessa escola superior) e 1987 (quando atinge o limite de tempo de serviço no ensino e profere a última lição). Quando era estudante acalentava a ideia de seguir a carreira artística, de modo a que a arte pudesse ser o seu modo de vida, mas logo percebeu que haveria de seguir uma carreira no ensino, por “emergência”, como ele próprio confessou na sua autobiografia. Em 1948, assumiu um horário de professor numa escola de olaria em Viana do Alentejo, pouco tempo depois de ter regressado de Paris, onde residiu dois anos com a família - a esposa Maria da Conceição e a filha Marta Maria. Após concluir o Curso de Ciências Pedagógicas na Faculdade de Letras de Coimbra, no início dos anos 50, e depois de alguns anos a lecionar no ensino secundário, concorreu para professor da ESBAP. Essa carreira atingiu o seu auge a partir de 1975/76, quando se dedica por inteiro à gestão escolar na ESBAP, sendo o iniciador das “Exposições Encontro”, visando levar as artes ao interior do país, e o grande impulsionador das comemorações dos 200 anos da ESBAP (1980).

Criou em 1996 “O Lugar do Desenho – Fundação Júlio Resende”, para divulgar o seu volumoso acervo (mais de duas mil obras, principalmente desenhos) e "promover acções culturais com a comunidade".

(1)-Júlio Resende, “Autobiografia”, edição “O Jornal”, Lisboa, 1987.

Currículo completo no site de Vitor Marcelino.

Júlio Resende, "Avô e Neta", óleo s/tela, 1943

Júlio Resende, "Kathiv", óleo s/tela, 1998

JOÃO ALVES NA CASA DA CULTURA DE SEIA

2011-09-13T17:39:00.000-07:00

No Foyer do cineteatro da Casa da Cultura, encontra-se patente uma exposição de pintura de João Alves, com obras de grande interesse graças à sobreposição de conteúdos simbólicos e abordagem técnica. João Alves é natural de São Romão, Seia, onde nasceu há 38 anos.

Prémio EDP Novos Artistas 2011 distingue Priscila Fernandes

2011-09-12T18:33:00.000-07:00

Artista é natural de Coimbra mas reside em Roterdão

Mais uma vez, o prémio EDP Novos Artistas foi atribuído a um artista nacional com formação no estrangeiro e em início de carreira internacional. No caso, uma artista, Priscila Fernandes. Justamente, acrescente-se, embora o mesmo pudesse dizer-se em relação a muitos dos 407 candidatos iniciais, mas, seguramente, dos restantes 8 finalistas: Ana Manso (Lisboa, 1984); André Trindade (Lisboa, 1981); Carla Filipe (Aveiro, 1973); Catarina Botelho (Lisboa, 1981); Catarina Dias (Londres, 1979); João Serra (Lisboa, 1976); Nuno da Luz (Lisboa, 1984); Vasco Barata (Lisboa, 1974). Ver obras dos finalistas em ARTECAPITAL.

Os nossos maiores artistas internacionais (mas também cinestas, arquitetos, escritores, estilistas) só se tornaram famosos no seu país natal após anos de luta pela consagração no estrangeiro, sobretudo em Paris e Londres, mas também em Tóquio, Hong Kong, Nova Iorque. Basta lembrar alguns dos mais conhecidos artistas da diáspora (Amadeo de Souza-Cardoso, Vieira da Silva, Lourdes Castro e René Bertholo, Manuel Alvess, Paula Rego, João Penalva, ...). Alguns, nasceram no seio de famílias de emigrantes – como o Prémio EDP 2000, Joana Vasconcelos (Paris, 1971) ou o Prémio EDP 2009, Gabriel Abrantes (Chapel Hill, Carolina do Norte, E.U.A., 1984). Trata-se, afinal, de um prémio destinado a promover em Portugal artistas portugueses em começo de carreira no estrangeiro. Fala-se mesmo em “recurso legitimador das carreiras artísticas”, se bem que o valor do prémio (10.500€) tenha destino fixo e acertado: “prosseguimento ou desenvolvimento dos seus estudos” ou “concretização de um projeto artístico específico”. Percebe-se que estes prémios pretendem agitar e promover as artes nacionais fomentando a emigração de jovens artistas, o que até faz sentido considerando as dificuldades que vivemos. A verdade é que nunca tivemos artes relevantes no contexto ibérico e muito menos no europeu, precisamente por causa desta mentalidade fechada, que despromove e desmotiva o que é nacional e elege como bitola ou já exemplo a seguir, digno das mais esmeradas cópias e seguidismos nacionais, “o melhor que se faz lá fora” – seja esse “melhor” o que for, no entendimento de cada um. Parabéns a todos.

Os nove artistas finalistas receberam 2.500€ para concretizarem os projetos que se encontram expostos no Museu da Eletricidade em Belém, Lisboa, até ao dia 18 de setembro. A exposição foi comissariada por Delfim Sardo e Nuno Crespo (comissários independentes) e João Pinharanda (representando a EDP), que selecionaram os artistas. O júri internacional de premiação foi constituído por Alexandre Melo (curador e crítico de arte), José Pedro Croft (artista plástico e vencedor do Prémio EDP de Desenho 2001), Lynne Cooke (subdiretora do Museu Reina Sofia, em Madrid), Moacir dos Anjos (curador da 29ª Bienal de S. Paulo, Brasil) e José Manuel dos Santos (diretor de cultura da Fundação EDP).

O prémio foi atribuído a Priscila Fernandes pelas suas propostas no campo da Instalação, Pintura e Vídeo. A artista nasceu em Coimbra, em 1981, e vive em Roterdão, Holanda. Licenciou-se em Pintura no National College of Art and Design, em Dublin, na República da Irlanda, e fez o mestrado em Belas-Artes no Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy da Universidade de Roterdão.

André Trindade foi distinguido com uma menção honrosa pela sua obra “Sem a cabeça estar bem cosida, não vale a pena comer a língua”, combinando Escultura, Instalação e Vídeo.

O maior prémio nacional destinado a “distinguir artistas em início de carreira com propostas criativas originais e inovadoras no contexto nacional e internacional”, foi criado em 2000 e é bienal. Nas 8 edições anteriores, foram premiados: Joana Vasconcelos (2000), Leonor Antunes (2001), Vasco Araújo (2002), Carlos Bunga (2003), e João Maria Gusmão / Pedro Paiva (2004), João Leonardo (2005), André Romão (2007) e Gabriel Abrantes (2009).

Notícia dos premiados no Site da EDP.

PINTURA DE JOSÉ AGUILAR

2011-09-12T14:16:00.000-07:00

Nas galerias da Casa Municipal da Cultura de Seia, decorre até final do mês de setembro a exposição retrospetiva que José Santos Aguilar tem levado, com mais ou menos obras, a diversas localidades do centro do país.

A pintura de José Aguilar tem uma matriz geométrica e abtracta, não sendo decididamente um abstracionista geométrico e mostrando-se frequentemente insatisfeito com o puro abstracionismo. Sem pretensiosismos nem conteúdos complexos. Como ele próprio diz, “Quando pinto faço-o com o coração e não apenas com os olhos. O que pretendo é criar algo belo e colorido que seja facilmente identificável”.

Na verdade, trata-se de uma pintura poética, inspirando sensações de equilíbrio e harmonia através do desenho das formas e da simbologia da cor. Sobretudo quando se abstrai da tentação indecisa de representar, o artista assume o quadro como janela de acesso a um mundo paralelo de formas geometrizadas vibrantes de cor, territórios coloridos, rios de luz. José Aguilar entende a arte como o mais puro exercício criativo, que faculta experiências únicas e abre novas dimensões humanas – uma perspetiva que enquadra os títulos das exposições mais recentes (“A Leveza do Ser”, “Paisagens do Imaginário”, “I Love the Light”) e também sugerida por Lídia Soares no texto de apresentação da exposição: "Sairmos de nós para observarmos e para que outros observem mundos de sonhos e de vivências que por vezes o próprio tem ignorados, é uma missão fascinante reservada aos artistas.”

Nascido em Dominguiso, Covilhã, em 1948, José Santos Aguilar começou a pintar como autodidata em 1975. Frequentou em Lisboa o curso de Desenho do I.A.T.A. e um curso de Gravura na Ar.Co. ministrado por João Hogan, entre outros cursos de Desenho, Pintura e História da Arte.

Participou em exposições coletivas no Salão de Turismo da Covilhã (1984), no Lyons Clube da Covilhã (1985), no Espaço Lapin (1986) e na Galeria Mistral, Paris (1987). A sua primeira exposição individual teve lugar no Centro Hospitalar da Cova da Beira, em 2008. Desde então, realizou várias exposições individuais, destacando-se as seguintes: “10 Anos de Pintura”, Casa dos Magistrados da Covilhã (agosto 2010); “Pintura 2000-2010”, Casa Municipal da Cultura de Arganil (novembro 2010); “A Leveza do Ser”, Casa da Cultura César de Oliveira - Oliveira do Hospital (janeiro 2011); Biblioteca Municipal de Tábua (março 2011); “Paisagens do Imaginário", Casa da Cultura Santa Comba Dão (maio, 2011), Biblioteca Municipal Dr. Motta & Moura, Nisa (junho 2011); “I Love the Light”, Casa de Artes e Cultura do Tejo, Vila Velha de Ródão (agosto 2011).

Pintura de José Aguilar, Galerias da Casa Municipal da Cultura de Seia, 01 a 30 de setembro, de Segunda a Sexta-Feira, das 10 às 18 horas e aos Domingos das 15 H às 17:30 Horas.

Vista parcial da exposição

José Aguilar, "A Leveza do Ser IV", óleo s/tela

José Aguilar, "Desalento", óleo s/tela

TRIBUTO

2011-09-06T08:29:00.000-07:00

As ruas e becos da Mouraria lisboeta servem de palco há dois anos a uma curiosa exposição de rua da fotógrafa britânica Camilla Watson, que reside em Lisboa há cerca de quatro anos.

O projeto “Tributo” pretende homenagear os residentes do Beco das Farinhas, vizinhos do seu atelier no Largo dos Trigueiros, e consiste na impressão e afixação dos seus retratos e nomes na fachada do respetivo prédio. As imagens foram impressas em suportes duradouros (VER exemplos). Atualmente, Camilla Watson realiza impressões de grande formato diretamente em paredes (com uma câmara escura móvel), madeiras (incluindo portas) e mosaicos. Um trabalho respeitado até pelos grafiteiros, que têm poupado as suas fotografias.

O tema principal da fotógrafa são as pessoas na sua comunidade e, nesse sentido, tem colaborado em diversos projetos da Associação Renovar a Mouraria, da qual é sócia, assim como em iniciativas da Junta de Freguesia de São Cristóvão e São Lourenço e Câmara Municipal de Lisboa (“Todos, Caminhada de Culturas, 2009 e 2010, “Dentro-Fora/Passado-Presente”, 2010). A exposição alargou-se assim a outros sítios da Mouraria e tornou-se conhecida no estrangeiro, divulgada por amigos e turistas. Em 2010, realizou uma exposição individual no Museu da Cidade de Almada, intitulada “Gente de Almada”.

Nascida no Reino Unido em 1967, Camilla Watson começou como fotógrafa de cena de teatro, passando depois para o retrato e fotografia de reportagem, que a levou a diversas paragens. Em 2001, aceitou trabalhar num projeto de uma ONG (Associação Meninos do Morumbi) em São Paulo, Brasil, e por lá ficou três anos, a ensinar fotografia a crianças e jovens das favelas. Esta experiência foi o tema de uma exposição individual de fotografia na Fábrica Braço de Prata (outubro 2007).

Links:

Site de Camilla Watson .

Entrevista de Pedro Ventura .

Site Fotógrafos Profissionais .

MANUEL BAPTISTA

2011-08-15T07:10:00.001-07:00

“Fora de Escala: Desenhos e Esculturas (1960-1970)” no Centro Cultural de Lagos

Graças à colaboração da Fundação EDP com o Centro Cultural de Lagos e ao seu envolvimento no Allgarve’11, a exposição Fora de Escala: desenhos e esculturas de Manuel Baptista (1960-1970) realizada no Museu da Eletricidade entre 26 de fevereiro e 15 de maio de 2011, pode ser vista em Lagos até 8 de outubro.

A exposição reune desenhos e projetos menos conhecidos do artista algarvio, realizados desde meados dos anos 60 a meados dos anos 70. Alguns desses projetos só recentemente foram concretizados em esculturas, para a exposição homónima no Museu da Eletricidade, o que amplia o interesse da exposição em Lagos. O crítico e curador da exposição/Fundação EDP, João Pinharanda, fala mesmo em “rara oportunidade histórica”, a propósito da exposição de Lisboa, classificando justamente a exposição como “uma das mais significativas exposições nacionais deste ano” (1)

Joaquim MANUEL Guerreiro BAPTISTA nasceu em 1936 em Faro, cidade onde reside. Em 1957, matriculou-se na Escola Superior de Belas Artes de Lisboa para frequentar Arquitetura mas acabou por se licenciar em Pintura, em 1962. Foi bolseiro da FCG em Paris (1962-63) e do IAC em Ravena (1968). Lecionou pintura na Escola de Belas Artes de Lisboa até 1972.
Artista abstrato geometrizante, a sua obra é marcada pelos grandes espaços iluminados e cores do Algarve, em formas justapostas que lembram a “confluência da luz e da sombra” (Rocha de Sousa, “Manuel Baptista – relato duma pesquisa coerente”, Colóquio-Artes, junho de 1974), relevos e “formas recortadas que dá origem a um subtil claro-escuro e que permite sucessivas leituras das superfícies” (Fernando Azevedo, catálogo da exposição “Pintura Portuguesa de Hoje, Abstratos e Neo-Figurativos”, Lisboa, Salamanca, Barcelona, 1973). Uma obra que se alarga à tapeçaria e à gravura.

Realizou a sua primeira exposição individual em 1957, no Círculo Cultural do Algarve, Faro. Apresentou a sua primeira exposição retrospetiva de desenho e pintura (1956-1988) em Loulé, no Convento do Espírito Santo. Até 2011, realizou mais de trinta exposições individuais e participou em largas dezenas de exposições coletivas.

Nos anos 60, passou a registar o seu pensamento estético em cadernos diversos, ideias expressas pelo desenho, com uma sequência lógica e datada. Alguns desses registos e cadernos (1961-1993) integram a exposição, relacionados com as esculturas finalmente realizadas em 2011: “Porta-arbustos” (1968-70/2011); “Arbusto 1” (sem data/2011); “Duplo Arbusto” (1968-70/2011); “Envelope 1” (1968-70/2011); “Arbusto 2” (1968-70/2011); “Camisa e Gravata” (1973/2011 - Alumínio); “Camisa e Gravata” (1973/2011 – Néon e alumínio); “Objeto Suspenso (Metal)” (1968-70/2011); “Novelo” (1968-70/2011); “Mesa Posta (sem data/2011); “Objeto Suspenso” (1968-70/2011 – réguas de madeira); “Duplo Objeto” (sem data/2011); “Casulo” (1968-70/2011); Arbusto Paisagem (sem data/2011); “Ball of Thread” (1968-70/2011); “Corbeille” (1973/2011). A exposição permite, assim, redescobrir uma faceta pouco conhecida do artista e contribuir para a reescrita da história da escultura portuguesa da década anterior a 1974. Nessa década, vários artistas não conseguiram concretizar os seus projetos e, segundo João Pinharanda (3), “a História da Arte em Portugal teria sido diferente" se as tivessem concretizado.
Em 1990, realizou uma exposição retrospetiva de pintura (1963-1990) na SNBA. Em 1996, teve lugar da Casa da Cerca – Centro de Arte Contemporânea , em Almada, a primeira exposição antológica. A exposição “Fora de Escala” no Museu da Eletricidade (2011) representou, para o artista, “a concretização de um sonho”(3).

Foi distinguido com vários prémios, entre os quais: 1º Prémio de Pintura no I Salão de Vila Franca de Xira (1960); 1º Prémio de Pintura na Exposição Guérin (1968); Prémio Soquil (1970); 2º Prémio ARÚS (1982); Grande Prémio de Pintura da IV Bienal de Vila Nova de Cerveira (1984); Prémio de Aquisição na II Mostra de Lagos (1984).

A exposição oferece ainda dois videos, o primeiro dos quais sobre a reunião com o artista para escolher os projetos, materiais e cores. O segundo, apresenta imagens da montagem da exposição no Museu da Eletricidade, em fevereiro de 2011.

(1)- Textos de apresentação da exposição no Museu da Eletricidade, CCL e Allgarve’11.
(2)-Maria João Avillez, “Os Pintores do Levante”, Público Magazine, 24 de julho 1994.
(3)- Em declarações à Lusa por ocasião da exposição no Museu da Eletricidade.

Vista parcial da exposição (sala do r/c). Em primeiro plano, "Porta-arbustos" (1968-70/2011, acrílico e alumínio)

"Arbusto 1" (sem data/2011, alumínio)

Cadernos de desenhos (1961-1993)

"Arbusto 2" (1968-1970/2011, acrílico). Ao fundo, "Envelope 1" (1968-70/2011 - acrílico)

"Mesa Posta" (sem data/2011, madeira)

"Corbeille" (1973/2011, alumínio e néon)

Sugestões para um verão de artes

2011-08-15T05:42:00.000-07:00

(Artigo no Porta da Estrela online)

O verão português é tradicionalmente animado por eventos artísticos de grande dimensão e projeção, a juntar ao sem número de acontecimentos culturais que compõem – e bem - a oferta turística nacional. Pode até dizer-se que não há terra sem a sua exposição, feira, museu, todas de visita recomendada a quem desejar sentir de facto o espírito local e compreender verdadeiramente essas terras e as suas gentes. No entanto, essas mostras de autênticos tesouros locais são para se descobrir com surpresa, saboreando o encanto e a maravilha, e por isso eu nunca as incluiria num roteiro de viagem. Abundam acontecimentos artísticos de verão que, tal como os festivais de música ou de gastronomia, justificam por si só uma viagem ou um desvio, ou mesmo uma aventura de férias no Portugal desconhecido. Alguns deles são mesmo imperdíveis, por via de uma certa dimensão histórica (pelo que trazem de novo ou de irrepetível) ou devido à sua periodicidade bienal - especialmente quando se avizinham tempos difíceis, que podem baralhar as pintas dos dados da cultura e abalar o futuro de alguns destes eventos culturais.

Assim, deixo aqui algumas sugestões para um verão de artes, de norte a sul do continente, Madeira e Açores.

16ª Bienal de Cerveira - vista parcial da exposição no Forum Cultural

A 16ª edição da Bienal de artes mais antiga de Portugal oferece até 17 de setembro um conjunto diversificado de iniciativas centradas nas exposições em Vila Nova de Cerveira, a “Vila das Artes”. Cerca de 150 obras do concurso internacional e artistas convidados distribuem-se pelo Fórum Cultural, Castelo de Cerveira e Casa Vermelha. Se necessitar de um bom motivo para seguir até Vigo, a Bienal alargou-se esta ano à maior cidade da Galiza.

O Festival Internacional dos Jardins de Ponte de Lima é um evento paisagista que se realiza anualmente desde 2005 na vila mais antiga de Portugal, com objetivos vanguardistas e ambientais. Decorre de maio a outubro, na margem direita do Lima, este ano sob o tema “A Floresta no Jardim”. Concorreram 58 projetos de 12 países para os 11 espaços disponíveis. É também um dos poucos festivais pensados com um ano de antecedência e, para 2012, o tema é surpreendente e inspirador: “Jardins p’ra Comer”.

"My Choice" inaugurou a sede da EDP no Porto

Exposição “My Choice”, na nova sede da EDP no Porto. Até outubro, mostram-se 87 obras de 51 artistas, selecionadas por Paula Rego da vasta coleção de arte do British Council. Entre elas, obras pouco conhecidas de David Hockney e uma obra de Lucian Freud, recentemente falecido. Visite também a exposição “Off the Wall” no Museu de Serralves, ali perto, organizada pelo Whitney Museum of American Art, de Nova Iorque.

Coimbra continua a fazer boa figura com o seu Festival das Artes, este ano dedicado às “Paixões”. O festival termina a 31 de julho mas a exposição coletiva “A Pulsão do Amor”, que reune 20 artistas portugueses e estrangeiros, decorre até 17 de setembro, no Edifício do Chiado. Uma boa oportunidade para ver parte da coleção do Millenium BCP.

Lisboa mostra a exposição “Ecos do Fado na Arte Portuguesa”, uma viagem pela arte portuguesa dos séculos XIX a XXI. Dotado de características únicas e marcantes, candidato a Património Cultural Imaterial da Humanidade, pela Unesco, o Fado inspirou diversos artistas nacionais de renome e essas obras podem ser apreciadas até 17 de setembro na Sala do Risco, no Terreiro do paço. Ainda em Lisboa, no Centro de Arte Moderna da Gulbenkian, decorre até 09 de outubro uma importante exposição retrospetiva de João Penalva, um dos artistas portugueses mais internacionais, radicado em Londres há cerca de 40 anos.

O Festival de Performance e Artes da Terra, Escrita na Paisagem, decorre até setembro em Évora e outras localidades alentejanas, com várias exposições, teatro, dança, música, performance, workshops. Duas instalações inspiradas em Christo e Sam Spencer transformam o centro de Évora, palco central do festival e ponto de encontro de cumplicidades culturais com Avis, Estremoz, Montemor-o-Novo e Moura.

A programação das artes no âmbito do ALLGARVE’11 continua insuficiente e sem uma linha orientadora – para além de exibir as principais coleções institucionais portuguesas. Nesta 5ª edição, mostram-se obras da coleção da Fundação EDP em três exposições, duas das quais com particular interesse. “Da discussão nasce a luz”, reune em Loulé grandes nomes da escultura portuguesa contemporânea, muito bem representada na colecção da EDP. De notar, a feliz conjugação das esculturas com a vocação religiosa do espaço do Convento de Santo António dos Capuchos de Loulé. No Centro Cultural de Lagos, não deve perder-se a exposição de desenhos e esculturas do artista algarvio Manuel Batista (n. Faro, 1936). Foi também acertada a colocação da obra de Joana Vasconcelos (“Tutti Frutti”) no Aeroporto de Faro, uma importante porta de entrada no Algarve. Em Faro, mostra-se fotografia de Francisco Tropa e Eduardo Gageiro.

No Porto Santo, Madeira, decorre até final de agosto a IV Bienal Internacional de Arte Contemporânea, com obras de artistas de 35 países expostas nos mais diversos edifícios públicos e jardins. No início desse mês, a Feira dos Petiscos vai ajudar à festa.

Nos Açores, as Festas da Praia da Vitória, na Ilha Terceira (29 de julho a 7 de agosto), serão marcadas este ano por uma forte aposta nas artes plásticas devido à recente formação da Academia da Juventude e das Artes. Na Ilha do Faial, a exposição do Concurso Multiartes Porto PIMtado será inaugurada a 27 de agosto e decorrerá até 25 de setembro, na Fábrica da Baleia.

Exposição de aguarelas de António Cavaco Silva (Boliqueime, 1947-2010), na Galeria de Arte Pintor Samora Barros, Albufeira - 6 a 30 de Agosto 2011

RUI MONTEIRO NA 16ª BIENAL DE CERVEIRA

2011-07-29T02:40:00.000-07:00

Entre as escassas dezenas de artistas portugueses selecionados para a 16ª Bienal de Cerveira, que abriu no passado dia 16 e decorre até 17 de setembro em Vila Nova de Cerveira, conta-se um artista de Oliveira do Hospital, Rui Monteiro.

É a segunda vez que o artista participa na prestigiada bienal portuguesa, uma estreia que remonta a 2001. Nesse ano, a Bienal de Cerveira realizou-se sob o tema da Arte, Tecnologia e Ciência. Em 2011, integrado na proposta curatorial do fotógrafo Carlos Casteleira, “Ecúmeno”, Rui Monteiro apresenta no Fórum Cultural de Cerveira uma curiosa instalação digital audio visual em formato video intitulada “Land Scape”, assim como uma performance audio visual, “Diat0m”. “Land Scape” apresenta a correspondência entre a interpretação matemática da paisagem natural e a representação digital tridimensional desses dados, utilizando sistemas de observação e identificação próprios da visão artificial. Foi ainda apresentada pelo artista, no dia de abertura da Bienal, a nova versão de “2handmotion”, “2hand12cc3d” (2011), um projeto na área dos novos instrumentos eletroacústicos que pode ser conhecido mais em pormenor no site do artista: www.ruimonteiro.net

Licenciado em Design pelas Belas Artes do Porto, Rui Monteiro chegou a trabalhar como designer gráfico mas dedica-se atualmente à investigação em novas tecnologias nas áreas da música eletroacústica e digital, visão por computador e programação. Um aspeto fundamental da sua obra é a interação entre Arte, Ciência e Tecnologia, traduzida em performances sonoras, instalações Interativas e composições audiovisuais, especialmente desde o surpreendente “Spectrum portrait “ (2005).
As suas obras já foram apresentadas no Porto 2001, Bienal de Cerveira, Futurartes (Caldas da Rainha) e Agirarte (Oliveira do Hospital), entre outros acontecimentos e festivais em Portugal, França e EUA.

O projeto curatorial “Ecúmeno” propõe-se “questionar a nossa relação com a natureza e o meio ambiente” (...) num momento em que “a Arte é inspirada pela cooperação entre as ciências da vida, o natural, o artificial e a tecnologia”. Para além de Rui Monteiro, apresenta os artistas franceses Erick Samakh e Victoria Klotz, os brasileiros Rodrigo Braga e Paulo Meira e a portuguesa Laetitia Morais.

Na sua 16ª edição, a Bienal de artes mais antiga de Portugal oferece um conjunto diversificado de iniciativas centradas nas exposições em Vila Nova de Cerveira, conhecida no norte de Portugal e na vizinha Galiza como a “Vila das Artes”. As obras do concurso internacional e artistas convidados (cerca de centena e meia de obras de pintura, escultura, instalação, fotografia, desenho, video, cerâmica, arte digital) distribuem-se pelo Fórum Cultural e Castelo de Cerveira. No Convento de San Payo, pode ser visitada uma exposição de homenagem ao escultor José Rodrigues. A Bienal integra ainda exposições em Vigo e no Porto, para promover e alargar o âmbito do evento.

VER este texto na edição Internet do jornal Correio da Beira Serra

LUCIAN FREUD (1922-2011)

2011-07-23T18:11:00.000-07:00

Francis Bacon, "Três estudos para um retrato de Lucian Freud".

Lucian Freud nasceu em Berlim em 1922. Quando ele tinha 11 anos, a sua família emigrou para Londres voluntariamente. Era neto de Sigmund Freud, que também partiu para Londres em 1938, depois da anexação da Áustria pela Alemanha – ao contrário das suas quatro irmãs, que pereceram em campos de extermínio nazis. Lucian Freud adquiriu a nacionalidade britânica em 1939 e serviu brevemente na marinha mercante britânica durante a II Guerra Mundial, tendo sido devolvido aos estudos de Belas-Artes por uma doença incapacitante. Viria a tornar-se um dos mais famosos pintores neofigurativos contemporâneos.

A pintura que o tornou conhecido privilegia o retrato com modelo, cujos volumes preferencialmente nus trabalhou com pinceladas expressivas. Para muitos, as suas melhores obras foram realizadas nos anos 50, antes dos primeiros nus (anos 60) e nus masculinos (finais dos anos 70) e, por isso, é considerado um pintor do pós-guerra. Pintou também naturezas mortas e retratos de família e amigos, sem restrições nem pudor, apresentando inperpretações plásticas muito próprias, às vezes crueis, outras vezes grotescas, mas sempre perturbantes “pelas razões de sempre - a presença real (mais do que realista) da figura humana nos seus quadros, a excessiva veemência física dos corpos representados como carne, a nudez crua dos seus modelos femininos e masculinos observados sem complacência e sem pudor, a desmesura e a deselegância de algum desses modelos, a relação pessoal do pintor com os corpos devassados e expostos das suas mulheres, amantes, filhos e amigos.”(1) Recorde-se, a propósito, o polémico retrato da rainha Elizabeth II, que o artista pintou em 2001, por ocasião dos 50 anos do seu reinado. A rainha pousou para o retrato, posteriormente doado pelo artista à Royal Collection, mas a crítica conservadora não apreciou a obra de pequeno formato, apresentando a rainha com feições distorcidas e excessivo envelhecimento da face.

Freud realizou a sua primeira exposição individual em 1944, na Alex Reid and Lefevre Gallery, em Londres. Representou a Inglaterra na 27ª Bienal de Veneza (com Ben Nicholson e Francis Bacon) em 1954, mas só em 1987 ganhou visibilidade internacional graças à retrospetiva organizada pelo British Council na capital norte-americana. Foi a sua primeira grande exposição fora de Inglaterra, mostrada depois em Paris, Londres e Berlim. A sua obra teve grande projeção internacional nos anos 90 e na primeira década do século XXI, com grandes exposições e várias retrospetivas na Europa, Japão, Austrália e EUA. Uma das suas obras (“Naked Girl with Egg”, 1980-81) encontra-se atualmente exposta no Porto, integrada na exposição “My Choice”, na sede da EDP no Porto, até 23 de outubro. Não está representado na Coleção Berardo. Muitos dos seus trabalhos atingiram valores impressionantes, especialmente "Benefits Supervisor Sleeping", um retrato de 1995, foi vendido em 2008 por 33,6 milhões de dólares.

Lucian Freud viveu e trabalhou sempre em Londres. Aí faleceu, no passado dia 2o de julho, em consequência de uma doença não divulgada.

(1) – Alexandre Pomar, AQUI.
VER FOTOS E FILMES sobre Lucian Freud.

OFF THE WALL

2011-07-23T09:21:00.000-07:00

Arte "fora da parede" e obras de arte ativadas pelo visitante

“Off the Wall” é o título da exposição patente no Museu de Serralves até 02 de outubro 2011, reunindo diversas ações performativas de artistas internacionais de referência, realizadas principalmente na segunda metade do século XX. Trata-se de uma versão da mostra apresentada em 2010 no Whitney Museum of American Art, em Nova Iorque, acrescentada com novas obras, sobretudo de artistas portugueses - Helena Almeida, Alberto Carneiro e Fernando Calhau, e prolongada com a exposição de obras de Robert Morris.

Umas das principais características da arte do século XX é o cruzamento de géneros artísticos e formas de expressão, o que permite reinventar os modos de produção artística, alargar o conceito de arte e integrá-la mais diretamente no quotidiano. A obra de arte deixa de ser apenas um quadro para pendurar na parede, ou uma escultura, mas sim o próprio acontecimento artístico, gestos e atos performativos onde interagem as artes visuais, as artes do movimento, a música e a experimentação sonora. Porém, o caráter sempre efémero desses atos é minimizado através de registos fotográficos, cinema e video – e são estes registos que se apresentam em Serralves, quase todos na parede.

Os dadaístas, que pregavam a não-arte e criavam obras totalmente ao arrepio das conceções artísticas da época, estão na origem de todas as irreverências, mas a performance, enquanto género artístico, nasce com a compreensão e valorização do próprio ato criativo e não exclusivamente na obra final, exposta para ser contemplada no plano vertical da parede. Artistas como Jackson Pollock transformaram o ato de criar em autênticas performances, enquanto outros preferem intervir mais diretamente no espaço real da vida, para veicular mensagens filosóficas e poéticas de redescoberta da individualidade e sentido da existência, muitas vezes com intuitos de crítica social. O que o artista procura é romper os limites opressivos do quadro (formatos, bidimensionalidade, imobilidade, silêncio) e dos espaços artísticos convencionais (sala de exposição, galeria, museu), também no sentido que lhe dá Michael Jackson no seu tema de 1979 “Off the Wall”, (“Live life off the wall”, etc.), de rotura com os padrões e normas sociais, o que implicou um desenvolvimento do conceito de Arte e de museu. Nem por acaso, a exposição abre com uma obra de John Baldessari, de 1971, com uma só frase escrita centenas de vezes nas paredes da entrada: “I will not make any more boring art” (Nunca mais farei arte aborrecida).

Off the Wall / Fora da Parede, apresenta o desenvolvimento da Performance desde 1948, ano de realização da obra mais antiga da exposição (o filme de Maya Deren, “Meditation on Violence”) até aos anos 80 – um percurso resumido de modo simples e claro por Chrissie Iles (curadora do Whitney Museum of American Art) no texto de apresentação da exposição.

A partir de hoje, 23 de julho, pode também ser visitada em Serralves a exposição “Robert Morris: filmes, vídeos e “BodySpaceMotionThings”. Robert Morris (Kansas City, EUA, 1931), engenheiro de formação e um dos fundadores do Judson Dance Theater em Nova Iorque, desenvolveu uma obra centrada nos novos materiais e novas perspetivas artísticas, criando esculturas com materiais reciclados, intervenções artísticas de grandes dimensões na paisagem (“earthworks”), performances relacionando o corpo e o espaço e experiências inovadoras conjugando o cinema e as artes visuais. Representado na exposição “Off the Wall”, Morris foi o primeiro artista a conceber uma exposição cujas obras de arte são ativadas pela participação física do visitante – que deixa, assim, de ser um mero espectador passivo para se tornar parte integrante da obra.

Artistas representados na exposição Off the Wall (por ordem alfabética do apelido): Vito Acconci; Helena Almeida; Carl Andre; John Baldessari, Lynda Benglis, Dara Birnbaum; Jonathan Borofsky; James Lee Byars; Fernando Calhau; Alberto Carneiro; John Coplans, Maya Deren; Jimmy DeSana; Trisha Donnelly; Simone Forti; Dara Friedman; Jack Goldstein; Dan Graham, Scott Grieger; Walter Gutman; David Hammons; Lyle Ashton Harris; Jenny Holzer; Peter Hujar; Joan Jonas; Richard Kostelanetz; Elad Lassry; Roy Lichtenstein; Kalup Linzy, Robert Longo; Nate Lowman; Robert Mapplethorpe; Anthony McCall; Paul McCarthy; Ray K. Metzker; MICA-TV; Robert Norris; Bruce Nauman, Claes Oldenburg; Yoko Ono; Dennis Oppenheim, Tony Oursler & Sonic Youth; Frank Owen; Jack Pierson; Yvone Rainer; Charles Ray; Martha Rosler; David Salle; Lucas Samaras; Raymond Saroff; Carolee Schneemann; Richard Serra; Cindy Sherman; Laurie Simmons; Jack Smith; Keith Sonnier; Rudolf Stingel; Francesc Torres; Andu Warhol; Hannah Wilke; Jordan Wolfson; Francesca Woodman.

Para quando, já agora, uma exposição de John Baldessari em Serralves?

John Baldessari "I will not make any more boring art", 1971

John Baldessari, "6 Colorful Inside Jobs", 1977 - filme 16 mm, 30 m, cor, mudo.

Jack Goldstein, "A Suit of Nine 7'' inch Records with Sound Effects", 1976,

Alberto Carneiro, "A Floresta", 1978 - fotografia e desenho s/papel (24 elementos)

DESENHAR LISBOA

2011-07-20T03:10:00.000-07:00

Nos dias 21, 22 e 23 de Julho, decorre em Lisboa o II International Urban Sketching Symposium. Cerca de 200 desenhadores de 20 países percorrerão o centro de Lisboa (consultar itinerários e horários) registando nos seus cadernos de esboços, diários gráficos ou diários de viagem, a tipicidade da paisagem urbana da nossa capital, os pormenores visuais, histórios e culturais que mais os surpreendam. Paralelamente, decorrerão workshops, palestras e exposições centradas no desenho, em particular esta modalidade – que reúne um significativo número de adeptos e praticantes em Portugal, entre os quais: Eduardo Salavisa, Jorge Colombo, Manuel San Payo, Mário Linhares, Mónica Cid, Luís Ançã, António José Gonçalves.

16ª BIENAL DE CERVEIRA

2011-07-18T09:06:00.000-07:00

Inês Osório distinguida com o Prémio Bienal de Cerveira
Presidente da República na homenagem a José Rodrigues
Artista de Oliveira do Hospital presente na Bienal

O escultor José Rodrigues foi homenageado na abertura da bienal

O Presidente da República, Aníbal Cavaco Silva, inaugurou este ano a mais antiga bienal de artes portuguesa, que se realiza desde 1978. Na ocasião solene, recebeu das mãos do Presidente da Câmara de Vila Nova de Cerveira, José Manuel Vaz Carpinteira, a chave de ouro do município. A criação da Bienal deve-se principalmente a Jaime Isidoro (1924-2009) mas um dos artistas mais ligados às suas origens e consolidação é o escultor José Rodrigues, homenageado na cerimónia de abertura e através de uma exposição no Convento de San Payo. José Rodrigues, que fará 75 anos em outubro, recebeu o maior troféu da Bienal, o Cervo de ouro, das mãos do Presidente da República. A exposição de homenagem no Convento de San Payo permite conhecer uma faceta menos divulgada do escultor, a de cenógrafo. Recordo-me bem da sua colaboração com o Teatro Experimental do Porto nos anos 80, quando vários escultores portuenses decidiram experimentar a cenografia e conceberam diversos cenários e objetos cénicos para o TEP e Seiva Trupe.

O júri da 16ª Bienal de Cerveira deliberou atribuir o Prémio Bienal de Cerveira (10 000 euros) a Inês Osório. O júri foi composto por Ana Luísa Barão (crítica de arte), Augusto Canedo (diretor da Bienal), Silvestre Pestana (artista plástico), Xurxo Oro Claro (artista plástico) e Carlos Casteleira (curador), a substituir Fátima Lambert, que não pôde comparecer. Na apresentação da Bienal, Augusto Canedo referiu a prioridade do júri de selecionar e distinguir jovens artistas.

A artista portuense Inês Osório foi distinguida pela sua instalação com tiras de borracha preta e anilhas metálicas patente no castelo de Cerveira

Inês Osório nasceu no Porto em 1984. Licenciatura em Artes Plásticas – Escultura (2008) e Mestrado em Escultura (2009) pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto – com a Tese “Do Espaço à Escultura: Transferências de um Corpo” – a base teórica da instalação patente no castelo de Cerveira, a obra vencedora do Grande Prémio da 16ª Bienal.
A artista desenvolve diversas correspondências e interações artísticas sobretudo nas áreas da escultura e instalação – um processo dinâmico que extrai contributos da sua formação multifacetada (Ballet Clássico e Dança Contemporânea, Design de Produto-especialização em cerâmica, fotografia, escultura, artes digitais, desenho técnico assistido por computador e, recentemente, teatro). Leciona em Matosinhos e dinamiza, no Porto, o Espaço João Pedro Rodrigues – Oficina de Artes. Mostra publicamente o seu trabalho desde 2006, através de intervenções/instalações em espaços públicos e galerias, individualmente ou integrada em projetos coletivos.

Nuno Nunes Ferreira – “Camouflage”, técnica mista s/tela, 250X180 cm – Prémio IPJ

Nuno Nunes Ferreira nasceu em Lisboa em 1976. Licenciado em Arquitetura pela Universidade Lusíada de Lisboa. Participou em diversas exposições coletivas na Alemanha e sobretudo em Espanha, com presença nas feiras de arte internacionais Arte Lisboa, Arco, Arte Santander e Valência Art. A obra premiada na Bienal de Cerveira, da série “Camouflage”, representa o trabalho plástico do jovem artista, que recorre de modo obsessivo a imagens de árvores e florestas para explorar “a temática da memória retratando o horror com uma estética de belo, invertendo o que é do senso comum”.

Na sua 16ª edição, a Bienal oferece um conjunto diversificado de iniciativas (ver programa completo), centradas nas exposições de arte. As obras do concurso internacional e artistas convidados (cerca de centena e meia de obras de pintura, escultura, cerâmica, instalação, fotografia, video, desenho) distribuem-se pelo Forum Cultural e Castelo de Cerveira. No Forum Cultural e na vizinha Casa Vermelha, podem ser visitados vários projetos curatoriais. Num deles, intitulado “Ecúmeno”, participa um artista de Oliveira do Hospital, Rui Monteiro, ao lado dos artistas franceses Erick Samakh e Victoria Klotz, dos brasileiros Rodrigo Braga e Paulo Meira e da portuguesa Laetitia Morais.

O interessante projeto de Rui Monteiro apresentado na Bienal de Cerveira

Rui Monteiro reside em Oliveira do Hospital. Licenciado em Design pelas Belas Artes do Porto, chegou a trabalhar como designer gráfico mas dedica-se atualmente à investigação das novas tecnologias nas áreas da Música Eletroacústica e Digital, Visão por Computador e Programação. Um aspeto fundamental da sua obra é a interação entre Arte, Ciência e Tecnologia, traduzida em Performances Sonoras, Instalações Interativas e Composições Audiovisuais. Na Bienal de Cerveira, apresenta uma curiosa correspondência entre a interpretação matemática da paisagem natural e a representação tridimensional desses dados. No site de Rui Monteiro, podemos conhecer outros projetos curiosos, entre os quais “Spectrum portrait “ (2005) e “2handmotion” (2010).
As suas obras já foram apresentadas no Porto 2001, XI Bienal de Cerveira, na Futurartes (Caldas da Rainha) e Agirarte (Oliveira do Hospital), entre outros acontecimentos e festivais em Portugal, França e EUA.

Organizada pela primeira vez pela Fundação Bienal de Cerveira (reconhecida pelo Governo em janeiro 2010), sob o tema “Redes 2011”, a Bienal alarga-se este ano a Vigo e ao Porto - uma aposta iniciada em 2007 através da realização de atividades paralelas nos concelhos vizinhos e nos municípios galegos de Porriño, Tuy e Goyan. Na sua intervenção, Cavaco Silva referiu o contributo das Artes para o desenvolvimento de Vila Nova de Cerveira, justamente designada “Vila das Artes”, e para a projeção internacional de Portugal. Dessa intervenção, que pode ser lida na íntegra no site da Presidência da República, gostaria de destacar alguns parágrafos que podem servir de exemplo ou de motivação para outros municípios.

“Já havia, é verdade, muito antes da Bienal, boas razões para visitar Vila Nova de Cerveira, desde o castelo à paisagem, passando pelas igrejas e solares de frontaria apalaçada.
O património natural e histórico, um pouco à semelhança do que acontece em outros lugares do nosso País, reveste-se aqui de uma exuberância e riqueza que impressionam o visitante.
Não basta, porém, termos herdado um património do qual podemos legitimamente orgulhar-nos. É preciso também saber geri-lo, dinamizá-lo, de forma a que as populações possam usufruir dele, quer do ponto de vista cultural e estético, quer do ponto de vista do desenvolvimento e da qualidade de vida. E, desse ponto de vista, a Bienal veio acrescentar uma dimensão completamente nova às potencialidades já existentes em Vila Nova de Cerveira.
A princípio, foi apenas um acontecimento efémero, aparentemente insólito, que surgia só de longe em longe. Com o correr do tempo, a música e outras artes associaram-se à pintura; o número de artistas e de visitantes foi aumentando; surgiram galerias e, muito em breve, será inaugurado um museu com obras apresentadas na Bienal. Damo-nos, pois, conta de que Vila Nova de Cerveira, além do local aprazível que sempre foi, é também um pólo internacional de arte contemporânea e um destino turístico para quem quiser conhecer os movimentos e tendências da arte nas últimas três décadas.
A importância que a Bienal adquiriu é bem visível no facto de ela se desenvolver, este ano, simultaneamente, aqui em Cerveira, no Porto e em Vigo. Mas o seu alcance vai muito para lá dessa dimensão local e regional. Ao projetar-se como iniciativa sem fronteiras, onde concorrem artistas de todo o Mundo, é também a imagem de Portugal que Cerveira projeta: a imagem de um País com um profundo enraizamento histórico e uma forte identidade, mas um País, também, onde a contemporaneidade tem lugar cativo.”

A 16ª Bienal Internacional de Cerveira decorre até 17 de Setembro 2011.

IMAGENS DA ABERTURA DA BIENAL (FORUM CULTURAL)

A Bienal de Cerveira à espera de Cavaco Silva.

O Presidente da República assina o livro de honra

O Presidente da Câmara Municipal de Cerveira, José Manuel Vaz Carpinteira, entrega ao Presidente da República a chave de ouro do município

O diretor da Bienal, Augusto Canedo

"Ó Kartistas" (Andrea Inocencio e Ana Maria)

Muito público

Vista parcial da exposição

A inauguração incluía uma prova de sabores locais.

PAULA REGO NO PORTO

2011-07-15T03:56:00.000-07:00

Com a presença de Paula Rego, abriram no Porto, na nova sede da EDP, as exposições “My Choice” e “A Caçadora Furtiva”. Estas exposições resultam de parcerias entre a Fundação EDP, a Fundação Paula Rego/Casa das Histórias e British Council.

Na sala de entrada, encontra-se exposto um conjunto de pinturas e desenhos de Paula Rego, intitulado “A Caçadora Furtiva”. Estas obras são produto de uma residência artística de Paula Rego na National Gallery, no início da década de noventa, como Artista Associada. Durante 18 meses, a artista portuguesa trabalhou num atelier na cave do museu, inspirando-se e absorvendo as obras dessa coleção: “(...) o que trago aqui para baixo varia imenso, mas trago sempre alguma coisa (...). Aqui sou uma espécie de caçadora furtiva” (1). Em alguns trabalhos, é possível vislumbrar essas influências e inferências, “quadros dentro dos quadros”, que a artista manipula e utiliza para contar outras histórias: “a minha única saída é tirar um bocado aqui e um bocado acolá e esperar que as histórias mantenham tudo unido” (1). Esta exposição resulta da colaboração entre a Fundação EDP e a Fundação Paula Rego/Casa das Histórias Paula Rego.

“My Choice” reune 87 obras (desenho, gravura, fotografia e pintura) de 51 artistas, selecionadas por Paula Rego do vasto espólio do British Council – uma instituição que promove a cultura britânica no mundo, tal como acontece com Instituto de Camões, em Portugal, ou com o Instituto Cervantes, na Espanha.

Os 51 artistas cujas obras foram escolhidas por Paula Rego são os seguintes: Michael Andrews, Frank Auerbach, Robert Sargent Austin, Michael Ayrton, Sir Cecil Beaton, Tony Bevan, Edmund Blampied, David Bomberg, Gerald Leslie Brockhurst, Edward Burra, Patrick Caulfield, Jake And Dinos Chapman, Prunella Clough, Robert Colquhoun, Charles Conder, John Copley, John Craxton, Ken Currie, Roy De Maistre, Lucian Freud, Harold Gilman, Charles Ginner, Richard Hamilton, Colin Hayes, David Hockney, Leonard Huskinson, Augustus John, Gwen John, R B Kitaj, Leon Kossoff, Percy Wyndham Lewis, Laurence Stephen Lowry, Jock McFadyen, Henry Moore, Paul Nash, Sir William Nicholson, Paul Noble, Chris Ofili, Sir William Orpen, Chris Orr, Grayson Perry, Raymond Ray-Jones, Albert Richards, Paul Shelving, Walter Richard Sickert, Sir Stanley Spencer, Graham Sutherland, Gerald Wilde, Victor Willing, Christopher Wood, Madame Yevonde.

Em outubro, a exposição “My Choice” será apresentada na Universidade de Coimbra (Casa das Caldeiras).

A galeria da nova sede da EDP no Porto, ao lado da Casa da Música, é composta por dois espaços amplos e agradáveis. A sala de entrada, de menores dimensões, fica ao nível da rua Ofélia Diogo da Costa e voltada para a entrada dos artistas na Casa da Música. O segundo espaço situa-se no nível inferior, com muito espaço e boa iluminação, lembrando as salas do piso inferior do CCB ocupadas pelas exposições da Coleção Berardo. Este espaço comunica com um pequeno jardim - onde foram servidos cocktails a todos os presentes na inauguração das exposições.

Nota:

(1)- Excertos de depoimentos de Paula Rego, no texto de Catarina Alfaro no desdobrável da exposição.
Paula Rego no Artes Vivas: Exposição no Porto; Casa das Histórias; "Les Planches Courbes".

PROCURAM-SE SKAPINAKIS

2011-07-13T17:11:00.000-07:00

Museu Berardo procura obras de Skapinakis para retrospetiva em outubro

O Museu Coleção Berardo prepara atualmente uma exposição antológica de Nikias Skapinakis, pintor português (Lisboa, 1931) de ascendência grega, com vasta obra abrangendo a pintura, desenho, litografia, serigrafia e ilustração. Da sua obra pública, destacam-se o painel do Café "A Brasileira" do Chiado (1971) e o painel em cerâmica para o Metropolitano de Lisboa (2005). Nesse ano, foi-lhe atribuído o Grande Prémio Amadeo de Souza Cardoso, em Amarante.
Nikias Skapinakis teve já exposições retrospetivas da sua obra nos principais museu de arte contemporânea nacionais (Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, 1985, Museu de Arte Moderna da Fundação de Serralves, Porto, 2000) mas esta restrospectiva do Museu Coleção Berardo quer ser mesma “A Retrospetiva” e a organização procura os proprietários de algumas obras de Nikias Skapinakis, descritas AQUI.
A abertura da Exposição Antológica Nikias Skapinakis está agendada para 24 de outubro e decorre até 22 de janeiro de 2012. Para qualquer esclarecimento, o MCB indica os seguintes contactos: 213612918 / 927990219.

"A Sedução de Miss Europa", 1970 - uma das obras listadas pelo MCB

EXPOSIÇÃO DE VICTOR MOTA NO TURISMO DE SEIA

2011-07-12T09:20:00.000-07:00

“Santo António” - Exposição de cerâmica de Victor Mota
Sala de exposições temporárias do Posto de Turismo de Seia, de 15 de junho a 17 de julho 2011

Victor Mota - "Nossa Senhora entrega Menino a Santo António

O ceramista e escultor Victor Mota regressa – e muito bem – a Seia, na sala de exposições temporárias do Posto de Turismo, com uma série de figuras em grés tratando o tema do Santo António e a simbologia que lhe está associada. Das 27 peças que integram a mostra, 25 são figuras de pequena dimensão, representando o santo em diversas situações, e duas são cenas da vida mítica do santo: “Nossa Senhora entrega Menino a Santo António” e “Santo António casamenteiro” – a peça mais trabalhada, uma composição narrativa em jeito de diorama. Na anterior, a utilização criteriosa da cor destaca e anima as figuras de Maria e do Menino, acentuando as forças em tensão no conjunto, com muitos vazios em volta das figuras e as linhas dos braços convergindo para o centro, onde a alegria incontida do menino transparece da massa fria e inerte da argila. Aliás, a delicadeza dos afetos e a emoção da fé transparece em muitas das peças expostas, levantadas em rude grés pelas mãos conhecedoras e sentido plástico do artista. De notar, ainda, o modo como Victor Mota incorpora elementos geometrizados na construção das figuras sem perder a referência do antropomorfismo e sugerindo algum dinamismo, o que resulta muito bem neste tipo de figuração, tradicionalmente estática.

Santo António foi figura de relevo na Idade Média europeia, suscitando grande popularidade graças à sua sabedoria, dotes oratórios e anunciados milagres, mas também a admiração e respeito dos homens letrados da época. Nascido em Lisboa no final do século XII com o nome de Fernando, o franciscano António notabilizou-se como pregador e ensinou Teologia na Itália e na França, para além do desempenho de cargos na estrutura organizativa dos franciscanos a convite do próprio Francisco de Assis. Foi declarado santo imediatamente após a sua morte, aos 36 anos (ou 40, dada a incerteza do ano de nascimento), no processo de canonização mais rápido de sempre da Igreja Católica. Em 1946, Pio XII proclamou-o Doutor da Igreja, mas o atributo do livro (símbolo da sabedoria e do teólogo) aparece já no primeiro retrato conhecido de Santo António, datado de 1270.

Na iconografia religiosa é incontornável a observância dos atributos – cânones que permitem identificar as figuras, servindo como tópicos visuais da narrativa mítica sancionada pela Igreja. No texto de apresentação da exposição, são referidos outros atributos de Santo António, como o hábito franciscano (às vezes mostrando por baixo o hábito dos agostinhos), a corda com os três nós (pobreza, castidade e obediência), o lírio (símbolo da pureza) e a cruz. O atributo do pão foi estabelecido no século XIX, lembrando que Santo António já aparecia em pinturas do século XVI e XVII distribuindo o “pão dos pobres”. Quanto ao Menino Jesus, este atributo evoca a aparição a Santo António em Camposampiero, testemunhada pelo Conde Tiso, sendo conhecida alguma iconografia mostrando Maria a oferecer o filho em adoração.

A mostra de Seia integra um conjunto de exposições com o mesmo tema, a primeira das quais decorreu em junho na Capela de São Sebastião, nas Caldas da Rainha, onde Victor Mota já tinha realizado em 2010 uma grande exposição sobre o Santo António (50 figuras) e o Presépio.

Victor Mota nasceu em Peniche em 1967.
Frequentou os cursos de modelação decorativa (1987), com o mestre Herculano Elias e Euclides Rebelo, e de escultura cerâmica de figura humana (1988) no CENCAL - Centro de Formação Profissional para a Indústria Cerâmica das Caldas da Rainha.
Participou ainda em workshops de cerâmica, com o ceramista e artista plástico galego Xhoan Viqueira (trabalhos sobre Bordalo Pinheiro) e com o designer belga Francis Beths (trabalhos sobre mobiliário urbano em cerâmica).
Iniciou a atividade artística na década de 90, tendo participado em várias exposições coletivas de cerâmica e escultura nas Caldas da Rainha, Óbidos e Massamá.
Em 1993, realizou a primeira exposição individual, nas Caldas da Rainha. Em 2010, mostrou o seu trabalho artístico em quatro importantes exposições individuais de cerâmica e escultura, na Capela de São Sebastião (“50 Esculturas de Santo António” e “60 Presépios”), no Céu de Vidro - Parque D. Carlos I (“Biodiversidade no Parque”) e na Junta de Freguesia de Nossa Senhora do Pópulo (“Presépios”), todas nas Caldas da Rainha. Em março de 2011, expôs no Posto de Turismo de Seia ("As 3 Faces da Deusa") e regressou à temática do Santo António nas exposições de verão nas Caldas da Rainha, Seia e Cadaval.

A escolha de Paula Rego

2011-07-12T09:10:00.000-07:00

Em parceria com o British Council, a Fundação Paula Rego e Casa das Histórias, a Fundação EDP mostra no Porto a exposição “My Choice”, um conjunto de 87 obras (desenho, gravura, fotografia e pintura) selecionadas por Paula Rego do vasto espólio do British Council.

A exposição tem lugar na galeria da nova sede da EDP, junto à Casa da Música, e permite ver no Porto, pela primeira vez, obras de David Hockney, assim como “Naked Girl with Egg”, de Lucian Freud - “o Ingres do Existencialismo” segundo Arnold Hauser (1), neto de Sigmund Freud, um dos artistas mais relacionáveis com a pintura de Paula Rego dos anos 90 e seguintes.

Em simultâneo, inaugura a exposição de pintura e desenho de Paula Rego, “A Caçadora Furtiva”.

Em outubro, a exposição “My Choice” será apresentada na Universidade de Coimbra (Casa das Caldeiras).

Nota:
(1)- Contemporary British Art, Harmondsworth, 1951.

GóisOrosoArte' 11

2011-07-11T16:00:00.000-07:00

Começa já na próxima sexta-feira a coletiva de Góis, este ano realizada em associação com o município galego de Oroso. A inauguração está marcada para as 18 horas, no Auditório da Casa do Artista.

Um dos artistas presentes na 15ª edição da coletiva de Góis será Mário Silva, na apresentação do livro de Licínia Girão, “Mário Silva: Pintor-Minotauro numa espécie de biografia” – no dia 16 de julho, sábado, pelas 19.30 horas.

Já apresentado na Figueira da Foz (81º aniversário de Mário Silva e lançamento oficial do livro) e em Vila Verde (Bienal Internacional de Arte Jovem), a obra não é uma biografia no sentido tradicional, como referiu a autora, mas sim uma viagem pela vida e obra do artista – que não terá apreciado o termo “Minotauro”. Segundo Licínia Girão, Mário Silva “é alguém que vive no labirinto da vida, alguém que continua a desenrolar o fio da vida».

Se puder, vá mais cedo, leve o fato de banho e dê um mergulho na excelente praia fluvial, a meia dúzia de metros do Auditório. Também se recomenda um passeio a pé pelo centro histórico e pelas margens do rio Ceira.

Apostar seriamente no Turismo (Cultural)

2011-07-10T08:24:00.000-07:00

Santiago, Seia

Por ocasião dos 25 anos da elevação de Seia a Cidade, verificou-se algum consenso quanto à necessidade de repensar o futuro da cidade e do concelho. O jornal Porta da Estrela (nº 926, 30 de junho 2011) publicou um conjunto de depoimentos de “personalidades de diversos setores da Sociedade Civil” com ideias e propostas concretas para o futuro do concelho, e a Câmara Municipal promoveu a realização de um debate na Casa Municipal da Cultura para “Pensar a Cidade”.

Fui uma das pessoas convidadas pelo jornal Porta da Estrela a opinar sobre o futuro do concelho de Seia, através de um texto necessariamente curto para cumprir o limite máximo de carateres referido no convite. Por este motivo, muito ficou de fora do meu texto final, após intensa poda do texto originial, e o que sobrou vai ser reproduzido mais à frente. Antes, gostaria de recuperar (da memória) algumas das ideias que ficaram apenas subentendidas no texto publicado e desfiar outras entretanto suscitadas.

Seja qual for o futuro do concelho de Seia, ele terá de passar por decisões politicas corajosas, com as necessárias consultas e discussão pública mas contrariando a tentação de chegarmos à noite ainda a discutir a frescura da manhã. Para haver um rumo é necessário apontar uma direção e a definição desse rumo fica facilitada e os riscos da viagem serão mais justamente partilhados se a denominada sociedade civil for chamada a pronunciar-se e ouvida. Será fundamental definir-se um rumo único, ou uma demanda baseada num interesse comum. Mário Jorge Branquinho – que continua a pensar o futuro de Seia e a intervir ativamente na sua construção diária – sugere um Conselho Económico Municipal, para “alinhar estratégias e um rumo”. E explicita: “A Câmara é o motor do desenvolvimento, mas esse mesmo progresso só é possivel se se contar com a participação e envolvência de todos. A iniciativa privada tem de ser mais vezes desafiada a investir. Tem de haver mais proximidade, depois de se alinhavar o tal rumo, com a definição de 3 ou 4 áreas prioritárias, porque o turismo sozinho não chega.” A maior vantagem e o maior perigo de um Conselho Económico é precisamente o de ser económico, em meios onde não é fácil conciliar interesses particulares (nem só os económicos, é certo) com interesses públicos e num país viciado em subsídios – apesar, e talvez mais ainda, por causa da crise. Um país que, por ter tais defeitos, já vai servindo de desculpa para tudo, como tão bem apontou Gonçalo M. Tavares em “Uma Viagem à Índia”: “Cada país é um pormenor que cada habitante utiliza como melhor lhe convém e como a lei permite.” Ou seja, não existe um único Portugal mas sim um Portugal diferente para cada português ( os “Portugais” de Alberto Pimenta) e esse Conselho que MJB propõe não deve ser exclusivamente uma troika económica mas sim conciliar protagonistas e intervenientes diversos com vista a um compromisso social o mais amplo possível, pois o tal rumo nunca deverá ser entendido como um engodo – a raposa que se mostra de longe à matilha de caça, ou a cenoura que se pendura diante do nariz do burro para o fazer andar.

Considerando a vocação turística do concelho de Seia, pareceu-me importante levantar a bandeira do turismo cultural, sublinhando que a maior parte das pessoas tem conceitos muito restritos de turismo e de cultura. Ora o turismo ligado à cultura deve ser pensado num contexto mais geral mas sempre local, para focar essas especificidades e rentabilizá-las. A unidade cultural de um concelho ou de uma região é sempre relativa, dada a artificialidade das fronteiras administrativas, havendo assim que valorizar e promover os elementos comuns unificadores. Sem cair na tentação de os recriar ou inventar, como aconteceu no Estado Novo com os trajes regionais e as casas típicas das antigas províncias portuguesas. Nem é por acaso que os monumentos ao pastor em Seia, Gouveia e Oliveira do Hospital são muito idênticos no essencial das formas e mesmo na composição das figuras, ao contrário do que acontece por exemplo em Celorico da beira (Monumento ao Pastor) ou Fornos de Algodres (Monumento aos Pastores e Queijeiras).

O envolvimento das freguesias pode despertá-las culturalmente e criar até alguma dinâmica económica – com algum incremento dos produtos regionais, a par da exploração das riquezas naturais, modos de vida e atividades tradicionais e de lazer, ou dos transportes, que são indissociáveis do turismo. Sem esquecer as várias vertentes do turismo cultural, que inclui o público que se desloca a Seia para um espetáculo ou uma competição desportiva, o turismo científico (visitas de estudo) e de congresso, que já tem alguma expressão na cidade. O que me pareceu útil foi sugerir a construção de um mapa inteligente de interesses que articulasse todas estas necessidades, idealmente asseguradas por micro-empresas ou empresas familiares, mesmo de constituição temporária ou sazonal, no conjunto da estrutura mais estável das indústrias locais.

O futuro de Seia, tal como a situação económica do país, pode parecer o “nó górdio” que muitos pretendem dar a ver (movidos por interesses inconfessáveis?) mas dispensa a mesma solução drástica. Seia precisa mais de soluções tipo “ovo de Colombo”, mas os novos tempos vão levar-nos certamente a modos mais criativos de entender e de fazer.

Apostar seriamente no Turismo (Cultural)

Nestes tempos de grande excitação cultural e competitividade entre criadores, agentes e empresas de cultura, para contrariar o pessimismo inspirado pela crise e reagir às restrições económicas, torna-se oportuno desafiarmos as “ideias feitas”, os estereótipos da cultura e do turismo, para pensarmos criativamente o turismo cultural em Seia, numa perspetiva global e integradora. A vocação turística do concelho de Seia é consensual e o turismo cultural deve proporcionar uma dinâmica de causa e efeito entre oferta cultural e turismo (em geral), sem pré-conceitos e muito menos angústias contraproducentes. Refiro-me, por exemplo, à habitual confusão entre excursionista e turista.
Apesar do concelho de Seia possuir já vários equipamentos culturais de qualidade, dinâmicos e prestigiados, o que continua a faltar é um espaço cultural de valorização e divulgação da história local. Idealmente, uma estrutura com vários espaços, âmbitos e dimensões, centrada na conservação, exposição e interpretação multimedia de objetos históricos relevantes e obras de arte, mas que dasafie os modelos tradicionais de divulgação e interação com a comunidade e com o mundo.
Esta ideia integra-se naturalmente num todo agregador, que é urgente discutir e implementar. Um conceito de turismo cultural que interessará a Seia, apresenta-o como a busca de novos conhecimentos e experiências, de interação com outras pessoas, comunidades e lugares, da curiosidade cultural, dos costumes, da tradição e da identidade cultural (Lise e Hélio Barroso, 2008). Com estes parâmetros, poderia desenhar-se um mapa de interesses sociais, culturais e económicos, para organizar e articular o máximo de intervenientes, detetar as falhas do sistema e instruir a implantação, mesmo sazonal, de atividades dinâmicas e criativas a cargo de grupos ou pequenas empresas, proporcionando desafios reais a jovens e menos jovens gestores, aliciantes experiências de trabalho para jovens e ocupação de reformados, mas, sobretudo, múltiplas oportunidades de trabalho e de negócio. Por tudo isto, o turismo em Seia deveria ser (re)pensado e constituir a principal linha orientadora de uma estratégia global para ajudar ao desafogo económico e ao futuro do concelho.

Sérgio Reis

Materiais e formas de ontem e de hoje convivem e dialogam entre si em Seia (nova sede dos Rotários, no centro histórico).

NA COZINHA DOS ARTISTAS

2011-07-09T20:34:00.000-07:00

Pieter Bruegel, o Velho – “O Alquimista”, gravura, c. 1558

A química e a arte (1)

A resolução nº 63 da UNESCO consagrou o ano de 2011 à Química, ciência indispensável no desenvolvimento do conhecimento humano. Um dos principais objectivos do AIQ é incrementar o interesse dos jovens pela Química.

A relação da arte com a química é a mais antiga entre todas as disciplinas científicas. As suas origens encontram-se interligadas e as interações são evidentes ao longo dos séculos da História. A descoberta, seleção e mistura de materiais, para além da compreensão das características dos suportes, impulsionaram a diversidade e o apuramento das técnicas expressivas, alargando o espaço de intervenção criativa dos artistas. Além disso, a química assegura grande parte da investigação científica das obras de arte. Explica, por exemplo, como chegaram até ao nosso tempo as pinturas de Lascaux ou Altamira, e permite hoje garantir, com reduzida margem de erro, a autenticidade de uma obra de autoria duvidosa. A química é ainda fundamental na conservação e restauro de peças artísticas históricas, quase todas insubstituíveis no contexto da memória coletiva que alicerça a identidade dos povos e da Humanidade em geral.
Trinta e cinco mil anos antes da nossa era, o homem já conhecia alguns pigmentos naturais e conseguia modificar os tons das terras, pela ação oxidante do fogo. Conheciam alguns ocres amarelos – predominando a goetite (a-FeO(OH), vermelhos - hematite (Fe2O3) e terra de sombra /terra de Úmbria – uma mistura de goetite + hematite + manganês (MnO2). O manganês natural e o carvão forneciam o preto. Os minerais eram moídos e misturados com água e aglutinantes orgânicos. Estes pigmentos ainda hoje são produzidos e utilizados, com novas técnicas e aglutinantes modernos, mas a maior parte das tintas que utilizamos são já sintéticas, ou seja, compostos artificiais obtidos por processos químicos.

O azul egípcio (CaCuSi4O10) foi o primeiro pigmento sintético. Surgiu no Egito antigo, no 3.º milénio a.C., e foi utilizado em todo o império romano. Nesse tempo e na Idade Média, as cores mais preciosas eram produtos de alquimista. O vermelho puro e quase sagrado, usado nos ícones religiosos para pintar o manto da virgem, era sulfato de mercúrio - uma substância infernal (mercúrio + enxofre), nascida de uma cozedura a alta temperatura e depois triturada e moída repetidamente. O pigmento ultramarine, outra cor incontornável na pintura religiosa, derivava do brilhante e dispendioso pó de lápis-lazúli, que continha lazurita ((Na,Ca)8(AlSiO4)6(S,SO4,Cl)1-2).

As tintas foram desenvolvidas ao longo dos séculos, com novos pigmentos, aglutinantes e aditivos, proporcionando a adoção de novos suportes. É assim que a têmpera (pigmentos com aglutinante de gema de ovo) aparece ligada à delicada pintura dos ícones religiosos e às iluminuras dos pergaminhos, enquanto os pigmentos com óleo (tinta de óleo) surgem em suportes robustos de madeira, nos retábulos medievais, ou em grossas telas esticadas em grades de madeira, desde o Renascimento. Outro suporte típico da expressão artística, o papel, foi progressivamente melhorado com novos aditivos e processos químicos de acordo com as suas diversas utilizações.

No século XIX, o interesse científico e as exigências da industrialização proporcionaram autênticas revoluções nas mais diversas áreas da vida humana. Uma delas foi a invenção e produção de cores sintéticas, oferecendo tintas uniformes e cores muito vivas, em quantidade e a preços mais acessíveis. Até então, as tintas eram produzidas pelos próprios artistas ou pelos ajudantes e aprendizes na cozinha da oficina, de acordo com receitas que passavam de mestre para discípulo, ou compradas em lojas especializadas, cujas fórmulas de produção de cores eram protegidas pelas associações. Algumas receitas eram caldos perigosos, com inúmeros riscos associados à produção e utilização de certas tintas e cores, sobretudo quando incorporavam substâncias inflamáveis, tóxicas ou contaminantes, como o chumbo (Ph) ou o mercúrio (Hg). O advento das tintas sintéticas permitiu oferecer aos artistas uma alternativa segura, para além de uma nova dimensão plástica da cor.

Inicialmente, a revolução artística despoletada pelo Impressionismo foi muito mal recebida. As novas cores começaram por chocar o público e os meios académicos conservadores, mas dominam hoje o nosso envolvimento visual e orientam os nossos gostos estéticos. Esta consciência alargada da cor deve-se aos estudos e obra de vários artistas e cientistas, desde o funcionamento do mecanismo da visão à conceção em laboratório de novas tintas, hoje enriquecidas com aditivos surpreendentes: aceleradores ou retardadores de secagem, agentes bacteriológicos (antifungos, por exemplo), pigmentos termocromáticos (cores que mudam de tom por ação da luz ou do calor) e até aromas artificiais (tintas aromáticas).

Para entender a arte contemporânea nas suas múltiplas implicações e sentidos, é indispensável considerar o contributo da química ao nível dos materiais, meios e processos da produção artística – desde a simples utilização do fogo ou o cruzamento criativo de materiais, reações fotoquímicas em tela e noutros suportes, reações químicas com polímeros na escultura, até ao recurso a processos bioquímicos – utilizados por artistas como Joseph Beuys ou Dieter Roth – e os novíssimos materiais compósitos biodegradáveis, cuja base pode ser simplesmente o amido, desenvolvidos de modo a imitar as vantagens do plástico sem custos ambientais.

A terminar, uma receita caseira para o Guache (do italiano “Guazzo”, “tinta de água”):

Ingredientes: 100 g de pigmento (à venda nas drogarias); 30 g de glicerina; 60 g de goma arábica.
Preparação: misturar os ingredientes e passar três vezes por uma peneira fina. Cozinhar em banho-maria, mexendo sempre. Conservar numa vasilha de vidro. Para usar, dissolver com água.

Sérgio Reis

(1) - Texto publicado no jornal "Vivências ...", nº3, Junho 2011

ARTIS X - em jeito de retrospetiva

2011-07-09T04:27:00.000-07:00

O ARTIS marcou, mais uma vez, o panorama artístico regional, com grandes exposições de artes plásticas, uma curiosa exposição de fotografia em colaboração com os comerciantes locais, espetáculos de música, teatro, cinema e dança com assinalável público e merecidas homenagens a dois criadores senenses, com nome e obra reconhecidos no espaço nacional e até no estrangeiro.

Em jeito de retrospetiva, aqui ficam alguns links para o essencial do ARTIS X:

Notícia de abertura do ARTIS X - Festival de Artes Plásticas de Seia, 2011

Participantes (Pintura, Escultura, Fotografia)

Premiados (Pintura e Escultura) e entrega de prémios

Criadores senenses homenageados: António Nogueira e Jaime Reis (ver também notícia da digressão de Jaime Reis )

Encontro com o realizador senense Nuno Portugal .

Encontro com o fotógrafo José Pessoa .

Exposição - Salão de Artes Plásticas

Imagens da abertura do Festival

Exposição de Fotografia (extensão do ARTIS X)

ARTES EM SEIA - COMENTÁRIO DOS ALUNOS

2011-07-09T03:08:00.000-07:00

No mais recente número do jornal "Vivências ..."(1), do Agrupamento de Escolas de Seia, foi publicado um comentário sobre o colóquio Artes em Seia, que passo a citar:

"(...) Para além de tudo isto, fomos brindados com alguns colóquios no auditório da Escola Secundária de Seia. Salientamos o do professor/artista Sérgio Reis, através do qual divulgou artistas senenses de renome e as suas obras mais significativas, bem como deu a conhecer eventos culturais e artísticos, como a Artis X - uma exposição que existe, tal como a da nossa escola, há 10 anos, em Seia, e que tem contado com grandes artistas do nosso país. (...) Esta sessão foi, sem dúvida, a que nos colocou mais a par da situação artística do nosso concelho (...)."

Maria Isabel Mendonça e Nathalie João, 11º F - Curso de Artes Visuais

O Curso de Artes Visuais da Escola Secundária de Seia conta actualmente com um conjunto de alunos com inegável vocação para as artes, tal como aconteceu em alguns anos da última década. Essa vocação ficou bem patente na X Exposição de Artes da Escola Secundária de Seia (Maio 2011), na Feira de Arte e nos espectáculos "Arte: o único sentido" (12 de Março e 11 de Junho), apresentados no cineteatro de Seia.

Maria Isabel Mendonça evidencia sentido estético e desembaraço técnico no desenho e tem mostrado resultados em outras áreas artísticas, como a música e a literatura juvenil. Já passou pelo palco do Centro Cultural de Belém, como pianista, e obteve o 2º Prémio no Concurso Literário António Mota. Em 2010, recebeu um Prémio Municipal de Mérito Escolar. Nathalie João revela sensibilidade, sentido poético e capacidade técnica - como se pode ver no autoretrato:

Nathalie João, Autoretrato, 2011 (pormenor)

(1) - Jornal "Vivências ...", nº 3, Junho de 2011, pág. 13.

Uma Viagem à Índia - Grande Prémio APE 2010

2011-06-27T12:30:00.000-07:00

Gonçalo M. Tavares, o próximo Nobel português de Literatura, foi hoje distinguido com o prestigiado Prémio de Romance e Novela da Associação Portuguesa de Escritores, pelo seu livro “Uma Viagem à Índia”, obra centrada numa viagem propriamente dita, mas como pretexto para uma muito maior e mais vivida viagem interior. Este livro já tinha recebido o Prémio Melhor Narrativa Ficcional 2010, atribuído pela Sociedade Portuguesa de Autores, assim como o Prémio Especial de Imprensa Melhor Livro 2010 Ler/Booktailors.

Esta distinção contribuirá certamente para tornar mais conhecido o nome do escritor em Portugal e suscitar a curiosidade dos leitores para a sua obra, que vai sendo por cá editada pela Caminho.

Depois de viajar pelos textos-objetos da epopeia moderna “Uma Viagem à Índia”, percebi que tinha encontrado um escritor português à altura de Saramago e de António Lobo Antunes. Acabei de ler “Aprender a rezar na Era da Técnica”, uma incursão pelo preocupante mundo de exactidão e rigor do cirurgião Lenz Buchmann, tecnicamente desumano quando se preocupa com a sua própria humanidade, desde a plenitude da sua eficácia (“Força”), perda de faculdades (“Doença”) e colapso (“Morte”).

"Aprender a Rezar na Era da Técnica" recebeu vários prémios em França, em 2010, entre os quais o concorrido Prémio do Melhor Livro Estrangeiro 2010, um ano depois de ter sido nomeado para o Prix Cévennes 2009 – Prémio para o melhor romance europeu (França) com "Jerusalém".

Gonçalo M. Tavares nasceu em Luanda em 1970. Desde 2001, ano em que publicou a sua obra de estreia (“Livro de Dança”, Assírio e Alvim), mantém uma intensa atividade literária, editando romances, contos, ensaio, poesia e teatro. As suas obras têm sido traduzidas em dezenas de países e mereceram diversos prémios em Portugal e no estrangeiro. Entre os prémios nacionais, destacam-se o Prémio LER/Millennium BCP 2004 e o Prémio José Saramago (2005), pelo romance “Jerusalém”.

ARTIS X - Coletiva de Fotografia

2011-06-19T14:55:00.000-07:00

Encontram-se reunidas no foyer do cine-teatro da Casa da Cultura as fotografias participantes na ARTIS X.

Este ano, a exposição coletiva de Fotografia trocou os espaços tradicionais de exposição para se destacar nas montras do comércio local, naturalmente com a preciosa colaboração dos comerciantes, mas foi acertada a decisão de mostrar posteriormente todas essas fotos num mesmo local.

Apreciando comparativamente o conjunto das obras, confirma-se o que já parecia evidente quando as fotografias “surpreendiam” nas montras de Seia: há um claro aumento de exigência técnica e comunicativa das imagens (para evitar falar em “qualidade”, que é um critério cada vez mais discutível e um mau princípio para se medir obras artísticas) a até a apresentação das fotos.

Autores representados na exposição coletiva de fotografia: Alberto Cruz; António Correia; Artur Costa; Carlos Correia; C. Moura; Daniel Melo; Herman Mertens; João Carlos Botelho; João Pereira; José Santos; Luis Silva; Mário Branquinho; Nuno Almeida; Nuno Pinheiro; Paulo Mendonça; Pedro Oliveira; Pedro Pinto; Pedro Ribeiro; Renato Paz; Tiago Sousa; Victor Roque; Victor Brito.

V Bienal de Pintura de Pequeno Formato

2011-06-09T14:30:00.000-07:00

Mara Costa e Helder Coelho Dias foram os premiados da V Bienal de Pintura de Pequeno Formato 2011, recebendo respetivamente o Prémio Joaquim Afonso Madeira e o Prémio Revelação.

O júri foi composto por Carlos Jorge, representante da Junta de Freguesia de Alhos Vedros; Fátima Romão, representante do CACAV – Círculo de Animação Cultural de Alhos Vedros e Pedro Penilo, representante da Câmara Municipal da Moita. De acordo com a nota de imprensa difundida pela organização, o júri “apreciou a qualidade assinalável das obras presentes ao Concurso de 2011, da Bienal de Pintura de Pequeno Formato”, tendo-se verificado “um aumento de qualidade face às edições anteriores”.

Foram selecionadas 70 obras de pintura de pequeno formato para a exposição que abriu no passado dia 4 de Junho no Moinho de Maré de Alhos Vedros. A mostra decorre até 19 de Junho 2011.

Mara Costa nasceu em Almada em 1984 e é licenciada em Pintura pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa (2007).

Helder Coelho Dias nasceu em Coruche em 1977 e frequentou cursos de Pintura e Desenho na Sociedade Nacional de Belas-Artes, em Lisboa.

Marta Costa - "Praia do Rosário", mista s/tela

Helder Coelho Dias - "Declaration of W and L", mista s/MDF

http://videos.sapo.pt/T5YAudZlErLzMa79322g
http://videos.sapo.pt/Qhn1yBygkZeuNU2Ir3vB

V Bienal de Pintura de Alhos Vedros

2011-05-27T10:30:00.000-07:00

Sérgio Reis, "A Floresta de Enganos - Reflexos", Acrílico s/tela

Prémio Abel Manta de Pintura 2011 em imagens

2011-05-22T16:09:00.000-07:00

Prémio Abel Manta de Pintura - Museu Municipal de Arte Moderna Abel Manta, 21 de Maio a 25 de Junho 2011

A exposição reune as 95 obras (de 67 artistas) concorrentes ao Prémio Abel Manta de Pintura. Desde a 1ª edição do Prémio, em 2007, são também atribuídos o 2º e 3º Prémios.

Filipe de Matos, "Edificações (monoblocos) #4, acrílico, esmalte e verniz s/linho - 1º Prémio

Obras de Filipe Matos, Gil Maia (2º Prémio) e Sérgio Reis ("O Segredo de Lázaro", acrílico s/tela)

Obras de Gil Maia ("Constructiones in Palatio XXIX", acrílico s/tela) e de Sérgio Reis

Obras de Francisco Barbosa (n. Porto, 1988) e de Lara Roseiro (n. Coimbra, 1980)

Rita Cantante, "Over Wonderland", acrílico e colagem s/tela

Obras de Nuno Raminhos (n. V.N. Gaia, 1971), Helena Leão (n. Porto, 1949) e Paula Aniceto (n. Santa Maria da Feira, 1975)

Obras de Helena Leão, Paula Aniceto, Hugo Pinho (n. Ovar, 1986) e Ângela Belindro (n. Lisboa, 1976)

Obras de Joana Gomes (n. Lisboa, 1986), Ricardo (n. Seia, 1982) e Daniel Cardoso (n. V.N. Gaia, 1973)

Vista parcial da exposição

Exposição de Henrique do Vale em Braga

2011-05-17T17:19:00.000-07:00

Exposição de Henrique do Vale em Paredes de Coura - Inauguração a 27 de Maio

Exposição de Henrique do Vale em Braga, na Galeria Ikon

“Shipping Minds / Pensamentos Viajantes” na Galeria Ícone, em Coimbra

2011-05-17T16:05:00.000-07:00

“Contrariamente à televisão, cuja acção do espectador é passiva, o utilizador da Internet age por vontade própria, construindo mentalmente um caminho, uma viagem pelo mundo virtual. Desta viagem, desprendem-se nos cantos da sua memória, imagens soltas, sons, palavras, pequenas frases, como que pequenos postais esquecidos no fundo de uma gaveta e à espera de serem redescobertos.

São as memórias destas viagens virtuais esquecidas que o Festival Fonlad pretende recuperar da memória dos artistas, desafiando-os a apresentar projectos artísticos baseados nestas experiências. Pensamentos galopantes em virtualidades inconstantes.”

www.fonlad.net
Conflito Estético (video)
www.conflitoestetico.com

Iliana Menaia, Menção Honrosa (Escultura) na ARTIS X

2011-05-17T14:25:00.000-07:00

No "Salão de Artes Plásticas em imagens", publicado neste blogue a 10 de Maio, faltou referir através da imagem a Menção Honrosa de Iliana Menaia (n. Ponte de Sor, 1975) e respectivas obras.

Iliana Menaia, "Metamorfose V", ferro soldado

Prémio Abel Manta de Pintura 2011

2011-05-15T17:26:00.000-07:00

O Prémio Abel Manta de Pintura foi criado em 2007, assinalando 25 anos passados sobre o falecimento do pintor nascido em Gouveia em 1888. O Prémio foi anunciado como único mas o sucesso da iniciativa, com o próprio Presidente da República, de visita ao concelho, a presidir à entrega dos prémios, e as comemorações do 120º aniversário do nascimento de Abel Manta, levaram à sua reedição em 2008.

Em 2009, o Prémio Abel Manta de Pintura passou a bienal, realizando-se, assim, em 2011, a 4ª edição. O vencedor do Prémio em 2009 foi José Fonte, de Penacova, que já tinha recebido o 2º Prémio em 2008 e o 3º em 2007. Gil Maia foi 2º em 2009 e 2º em 2011. Nesta última edição, 2011, Filipe de Matos foi distinguido com o 1º e 3º prémios. De referir que os prémios são atribuídos a obras apresentadas sob pseudónimo.

O júri mantém-se praticamente o mesmo desde 2007. Em 2011, foi composto por Isabel Manta (arquiteta, neta de Abel Manta), Mónica Seabra Nogueira (premiada em 2007, Menção Honrosa em 2008), substituindo Joana Manta Botelho (bisneta do pintor) e Eduardo Mota (ex-diretor do Museu Abel Manta e estudioso da sua obra) em representação do Município de Gouveia.

Premiados (2007-2011)

2007
1º Prémio: Daniel David (n. Porto, 1975). 2º Prémio: Mónica Seabra Nogueira (n. Viseu, 29 anos, reside no Porto). 3º Prémio: José Fonte (n. 1965, reside em Penacova). Menção Honrosa para Carolina Caixeiro.

2008
1º Prémio: Rui Tavares (Figueira da Foz). 2º Prémio: José Fonte (n. 1965, reside em Penacova). 3º Prémio: Márcio dos Santos Costa (Coimbra). Menções Honrosas para Eduarda Ferreira (Porto), Filipa Gonçalves (Porto) e Mónica Nogueira (Viseu).

2009
1º Prémio: José Fonte (n. 1965, reside em Penacova). 2º Prémio: Gil Maia (Maia, 1974). 3º Prémio: Hugo dos Santos (Albufeira).

2011

1º Prémio: Filipe de Matos (n. 1987). 2º Prémio: Gil Maia (Maia, 1974). 3º Prémio: Filipe de Matos (n. 1987).

Prémio Abel Manta 2011 em imagens
Abel Manta no blogue Artes Vivas

A Casa de Abel Manta - projecto de Eduardo Mota

José Pessoa em Seia

2011-05-14T16:33:00.000-07:00

José Pessoa esteve na Casa Municipal da Cultura na noite do dia 13 para uma conversa informal sobre fotografia com fotógrafos profissionais e amadores de Seia. Compareceram 15, um número importante considerando que a exposição de fotografia da ARTIS reune este ano obras de 19 fotógrafos.

Na sua intervenção inicial, José Pessoa fez uma breve resenha histórica da evolução tecnológica da fotografia e falou do seu trabalho de várias décadas a inventariar e documentar através da fotografia as obras de arte que fazem parte do Património português. Apresentou depois uma actividade que se encontra a desenvolver no Museu de Lamego, Música às Quintas (1), na qual concilia de modo muito pessoal a música com a imagem fotográfica. Foram apreciados dois trabalhos com base em obras de George Gershwin (2): “Rapsódia em Azul” (1924) e “Um Americano em Paris” (1928).

A conversa informal entrou ainda pelos caminhos e rumos das tecnologias de informação e comunicação, a propósito da fotografia digital. A reter, a preocupação com a falibilidade do suporte e dos formatos de gravação, com a validade a prazo dos sistemas informáticos e os custos astronómicos da correspondente compatibilização de dados.

Quem começou a trabalhar com PCs nos anos 80, como eu, com o sistema operativo MS-DOS, processamento de texto Wordstar e discos amovíveis flexíveis de 5 ¼, sabe que a realidade afinal excede a ficção e também já percebeu que esta revolução tecnológica ainda mal começou. Mas paira essa angústia, é um facto, das imagens e documentos produzidos ao longo de décadas, com insubstituível valor afetivo, poderem desaparecer sem rasto nem proveito para ninguém. José Pessoa acha que vão desaparecer, com a consequente perda da memória individual e colectiva.

Os trabalhos de José Pessoa, fotógrafo do Instituto dos Museus e da Conservação (IMC), são marcados pelo rigor científico, mobilizando método fotográficos, processos químicos e meios informáticos avançados, e também, como declarou em certa ocasião, pela “humildade perante a grandeza de qualquer acto criativo, das Tentações de Santo Antão ao mais simples artefacto, todos tratados com o mesmo respeito e atenção” (3). Para a sua mais conhecida exposição de fotografia, “Luzes de Pedra”, escolheu as pedras do Património que os portugueses tão mal conhecem. A mostra esteve patente em Lamego, Viseu e Castelo Branco, tendo ficado prometida uma exposição em Seia.

Entretanto, a obra fotográfica de José Pessoa pode ser vista AQUI, no MatrizPix – um sistema de informação concebido pelo IMC para o inventário, gestão e disponibilização online de arquivos fotográficos.

Notas:

(1)- Na primeira quinta-feira de cada mês, ao fim da tarde. A primeira edição teve lugar no passado dia 5 de Maio. Na Internet, podem ver-se trabalhos semelhantes, inclusive com música de Gershwin - como uma seleção de temas da ópera "Porgy and Bess" e fotografias de Cameron, Winogrand, Frank, Meyerowitz, Evans, Atget, Kertesz, DeCarava, Bresson, Brassai, Sander, Lange, Diane Arbus, entre outros: http://youtu.be/faiG6Ssvpyc
(2)- George Gershwin nasceu em Brooklyn, Nova Iorque, a 26 de setembro de 1898, com o nome Jacob Gershowitz. Com o seu irmão Ira, tornou-se um compositor americano muito popular no início do século XX graças a diversos sucessos na Brodway, uma ópera folk e várias partituras de filmes. Faleceu prematuramente em Hollywood, com 38 anos, após uma cirurgia para retirar um tumor do cérebro. Nesse ano, também faleceu o seu ídolo musical, o compositor francês Maurice Ravel, por motivo idêntico. Site oficial dos irmãos Gershwin: www.gershwin.com/
(3)– Diário de Notícias, 07/12/2004.

Uma imagem da exposição "Luzes de Pedra", em Lamego (Setembro 2009):